Castello di Ama

Nel 2005 è stata installata in una delle cantine ipogee del Castello la creazione dell’artista cinese Chen Zen intitolata La lumière intérieure du corps humain.  L’opera era stata concepita dall’artista nel 2000 in occasione della sua visita ad Ama: organi umani realizzati in cristallo si trovano sospesi e disposti fra le barriques, scelta formale che ritroviamo in precedenti progetti dell’artista.  L’installazione sospesa in cristallo libera gli organi dalla carne per farli divenire pura luce: proprio la loro collocazione ascensionale sembra prefigurare il momento in cui, quando il corpo muore, l’anima sale verso il cielo.

L’opera Topos (Excavated) dell’artista sud-coreano Lee Ufan, prende vita nella cantina storica del Castello. Sul pavimento, un quadrato dalla forma irregolare con gli angoli e i lati ondulati, dipinto con una gradazione cromatica che sfuma dal giallo al rosso, ricordando i toni di un tramonto, è incorniciato da un camminamento di ghiaia di marmo di Carrara. La forma sembra emergere dal sottosuolo, assumendo la connotazione di un reperto archeologico, piuttosto che di un’opera creata. Il visitatore entrando nella cantina attraversa necessariamente l’opera: il rumore dei sassi sotto i piedi lo rende partecipe e consapevole della propria presenza e parte attiva della creazione artistica. La ghiaia cosparsa sul pavimento, proveniente dalle leggendarie cave di Carrara, unisce il passato al presente dell’opera e secondo l’artista crea una relazione triangolare tra luogo, opera e osservatore. Il titolo richiama il concetto filosofico di topos – luogo – che per Lee Ufan non è neutro, ma intrinsecamente legato al contesto spaziale e temporale in cui si manifesta: l’opera ha senso di esistere solo ad Ama, nel suo passato, presente e futuro.

Installata nella cappella settecentesca del Castello di Ama, Confession of Zero è una scultura che materializza la presenza dell’assenza, rappresentata in matematica dal numero zero. Sugimoto ha creato una forma tridimensionale in acciaio inox e marmo – rappresentazione di una formula matematica di una funzione di terzo grado che ha come risultato zero – composta da due parti: una superiore sospesa e una inferiore che poggia a terra. Le due forme coniche si assottigliano fino a un punto di 0,8 millimetri di diametro. Lo spazio vuoto tra le due forme misura meno di dieci millimetri: questa sottile intersezione tra le parti rappresenta lo zero, l’invisibile, il punto in cui la presenza e l’assenza si incontrano.

Nelle sale dedicate alla degustazione del vino, Solakov “popola” le pareti con una serie di piccoli disegni e frasi scarabocchiate, dallo stile infantile, ma cariche di sottile ironia e immaginazione. I suoi personaggi sembrano emergere dagli interstizi dialogando con l’architettura e la sua storia, evocando la funzione del luogo e il nuovo ruolo assunto dal castello nell’ambito dell’arte contemporanea. L’artista con il suo gesto artistico rende contemporanea la tradizione dei cicli murali toscani e costruisce storie parallele che animano gli oggetti e l’architettura preesistenti, mettendone a nudo la vitalità segreta. Il risultato è un racconto visivo in cui l’ironia, il senso del meraviglioso e la narrazione si fondono, in cui il vino e Ama sono i protagonisti del racconto.

Galaxia è l’intervento dell’artista messicano Bosco Sodi, collocato nell’antica cantina di Villa Pianigiani. Si tratta di un ambiente ipogeo in cui vengono lasciate a riposare alcune botti di invecchiamento del vino; le caratteristiche del luogo collaborano a creare un ambiente sacrale e sospeso, funzionale alla natura dell’intervento. L’installazione è composta da sei sfere di argilla, ciascuna di circa ottanta centimetri di diametro, con superfici a craquelure, esito di un processo di essiccazione volutamente non controllato. Al centro, una settima sfera smaltata in oro sembra rappresentare il polo magnetico delle altre sfere. Suggerito già dal titolo, il richiamo dell’installazione è infatti quello cosmico, tendendo l’opera dunque a una dimensione astrale.

L’Albero di Ama: divisione e moltiplicazione dello specchio, realizzata nel 2000 da Michelangelo Pistoletto, è l’opera inaugurale del progetto artistico di Castello di Ama. La scultura è visibile dall’ingresso delle antiche cantine, in fondo allo scalone, e si configura come un altissimo tronco nel cui diametro, in una fenditura, è stato installato uno specchio angolato con molteplici rifrazioni. Pistoletto ripropone qui uno dei temi fondamentali della sua poetica, lo specchio come strumento di riflessione. L’immagine del tronco, che custodisce al suo interno i cerchi concentrici del tempo e le labirintiche riflessioni dello specchio, diventa così una metafora della relazione inscindibile tra materia e l’immaginazione.

Disposta all’interno di un piccolo ripostiglio, la scultura di Giulio Paolini intitolata Paradigma si presenta come un parallelepipedo costituito da lastre di pietra serena intelaiate in una struttura metallica. La metà inferiore si mostra solida e impenetrabile, mentre la parte superiore appare “esplosa”: frammentata, aperta, i suoi pezzi si proiettano al di fuori invadendo lo spazio circostante. Le dimensioni dell’opera, base e altezza, coincidono con quelle della porta della stanza. Se la parte alta esplodendo ha rivelato la natura della struttura, si può così immaginare – grazie alla presenza delle strutture metalliche angolari che regga l’implosione della parte bassa. La compresenza di due centri – uno evidente nella sezione superiore, l’altro implicito in quella inferiore – diventa il nucleo concettuale del lavoro: un paradigma della dualità, della separazione e al contempo della tensione verso l’unione, che rende visibile l’invisibile e trasforma la soglia in spazio simbolico di origine e autenticità.

Al Castello di Ama, l’artista camerunense Pascale Marthine Tayou è intervenuto sul selciato dei cortili antichi con un gesto semplice, poetico e giocoso: macchie di colore sono sparse come se fossero piccoli fiori o schegge di luce sotto i piedi del visitatore – una sorta di tavolozza dell’artista scomposta, o un caleidoscopio, che trasforma il cammino in esperienza visiva e sensoriale. Le pietre variopinte non causano uno “shock visivo” rispetto alla struttura storica, ma anzi si integrano perfettamente, trasformando il passaggio in un rituale giocoso che invita il visitatore a ricercare il suo colore preferito.

Nella piccola cappella gentilizia settecentesca di Villa Pianigiani, αἷμα (dal greco “sangue”) di Anish Kapoor si presenta come un cerchio luminoso, un abisso rosso – un colore dall’alto valore simbolico – che si apre al centro dell’ambiente. La superficie del pavimento, apparentemente solida, rivela un vuoto profondo che sfida la percezione dello spettatore. L’opera esplora temi di presenza e assenza, luce e oscurità, creando un dialogo tra la sacralità del luogo e la potenza evocativa della scultura. Con quest’opera, Kapoor non propone un messaggio univoco, ma sollecita domande sul senso dell’apparire e sul rapporto tra realtà visibile e invisibile, inscrivendo il lavoro in quella ricerca aperta e continua che caratterizza la sua pratica artistica.

Nella vallata di San Lorenzo ad Ama, tra i filari di vigneti e le piante di ulivo, si trova un piccolo fienile in disuso che oggi custodisce l’installazione The Observer. L’opera nasce da un’intuizione di Ilya Kabakov e si pone in continuità con la ricerca artistica che in quegli anni l’artista russo stava approcciando: l’angelologia. A poca distanza, in una posizione sopraelevata rispetto al piccolo fienile, un cannocchiale collocato in una casetta di legno sotto i pini guida lo sguardo dello spettatore verso la finestra dell’edificio in disuso. All’interno si scorge una scena sospesa: una coppia, affiancata da due angeli, siede a un tavolo in un’intimità carica di poesia, ignara dello sguardo che la osserva. L’opera rimanda all’iconografia dei dipinti rinascimentali, ma strizza l’occhio anche alla dimensione giocosa, tipica dell’arte di Emilia Kabakov.

Installata in uno dei cortili più riservati della tenuta, Towards the ground si configura come una finestra quadrata, incastonata nel pavimento lastricato del cortile che si affaccia sul sottosuolo. Al suo interno, un rilievo in resina – simulazione di piante acquatiche accuratamente disposte che celano e svelano simultaneamente – occupa il fondo di una vasca, suggerendo una superficie d’acqua che prosegue incessante sotto i nostri piedi. Ponendosi in dialogo con Sulle vigne: punti di vista di Daniel Buren, l’opera di Iglesias rappresenta la sesta finestra su Ama, che però non affaccia sul paesaggio, ma evoca il gesto di scoprire la terra, invitando a “guardare dentro” di essa e a sperimentare la continuità tra realtà visibile e invisibile. Dominata dal silenzio e dalla discrezione, l’installazione incarna la poetica di Iglesias: traccia una soglia tra mondo percepito e profondità segrete, in cui il lento fluire dell’acqua asseconda il respiro della natura. Towards the ground è un invito a non fermarsi alle apparenze e a scavare nel fondo delle cose per svelare una realtà celata, ma forse proprio per questo più vera.

Collocata in uno degli angoli più remoti di Villa Ricucci, l’opera dell’artista statunitense Roni Horn si concretizza in un gesto scultoreo in vetro di forma circolare, posato senza mediazioni sul pavimento ricoperto di terra. Roni Horn non è interessato alla materia in quanto tale, ciò che gli interessa è l’incontro che può crearsi tra quest’ultima e lo spettatore, che lo porta a interrogarsi sull’identità e sulla mutevole percezione che abbiamo di essa. Illuminata esclusivamente dalla luce naturale che filtra da una finestra a nord-est, la scultura si trasforma – divenendo talvolta bianca, talvolta di un tenue blu – con il trascorrere della giornata. Il contrasto tra la trasparenza del materiale e il suo enigmatico peso visivo, che la fa apparire come una luna misteriosamente atterrata tra le mura della villa, amplifica il carattere poetico dell’intervento, trasformando la luce del Chianti in materia viva.

Per Ama è un progetto concepito dall’artista concettuale americana Jenny Holzer durante la pandemia Covid-19 del 2020 e che, per questo motivo, ha conosciuto una lunga gestazione, registrando la chiusura dei lavori nel 2023. Holzer ha immaginato un giardino romantico di due acri, in una porzione dimenticata adiacente al vigneto San Lorenzo, concepito come un’esperienza sensoriale: la scelta della pianta helichrysum – conosciuta per il suo intenso profumo – diviene preludio olfattivo alla visione del giardino stesso («The scent can announce the garden before it’s seen»). L’aspetto poetico dell’opera ha un ruolo centrale: due distici scelti dai testi Essere Animale per La Grazia di Patrizia Cavalli e The Biology of Art di W.S. Merwin sono incisi su grandi pietre che punteggiano lo spazio, implicando una riflessione sul linguaggio. L’opera rappresenta una deviazione rispetto alla poetica usuale di Holzer, nota per interventi di natura socio-politica; qui prevale un approccio lirico e meditativo, che valorizza lo spirito del luogo attraverso natura, parola e profumo.

Nella cantina in cui sono lasciate a riposare le botti di invecchiamento dell’Apparita si trova, installata sul muro opposto all’ingresso, Revolution Love, opera al neon – di colore rosso borgogna – del sudafricano Kendell Geers. La ricerca dell’artista, che vede tra i suoi interessi lo studio del linguaggio, si traduce qui nell’elaborazione della parola “Revolution”, che al suo interno ingloba la parola “Love”, resa leggibile capovolgendo le lettere “L” ed “E”. L’opera evoca così la rivoluzione della terra ad ogni stagione, rendendo possibile la produzione del vino, ma anche la rivoluzione enologica avvenuta negli ultimi decenni nelle colline del Chianti, della quale Lorenza Sebasti e Marco Pallanti sono stati tra i protagonisti con l’introduzione del Merlot. Nessuna vera rivoluzione però ha luogo senza amore, e il Castello di Ama per l’artista sudafricano ne è la prova.

Nell’estate del 2006 l’artista cubano Carlos Garaicoa è intervenuto in uno dei giardini nei pressi di Villa Ricucci con Yo no quiero ver mas a mis vecinos. L’opera ha previsto la realizzazione di nove piccoli muri che riproducono fedelmente diversi muri storici (dal Muro di Berlino, al Vallo d’Adriano, fino alla Grande Muraglia), concepiti in questo contesto come elementi scavalcabili. Yo no quiero ver mas a mis vecinos trasforma il percorso vitato in una mappa di memorie politiche e geografiche, in cui la funzione del muro viene ribaltata: non più segno di divisione ma indicatore di un limite che può essere facilmente superato.

L’opera di Daniel Buren si inserisce nel paesaggio di Ama come un’architettura dello sguardo che unisce occultamento e rivelazione. Una parete lunga venticinque metri e alta due, alterna superfici specchianti e aperture quadrate, incorniciando frammenti di paesaggio. L’artista riformula così, in chiave tridimensionale e site-specific, la tradizione della pittura di paesaggio e della “finestra sul mondo” rinascimentale: là dove però la finestra apriva al mondo, l’opera di Buren chiude lo sguardo al di là del muro. Il visitatore, interfacciandosi con l’installazione, sperimenta un continuo passaggio tra visione diretta e mediata, in un gioco di sottrazioni e rivelazioni, diventando lui stesso parte integrante dell’opera.

L’artista franco-americana, celebre per le sue monumentali sculture-ragno, con Topiary indaga la figura femminile attraverso uno dei leitmotiv ricorrenti nelle sue opere, la metamorfosi. Il tema si pone in continuità con la ricerca artistica di Bourgeois, da sempre orientata ad indagare il cambiamento di stato come simbolo di trasformazione autonoma, resilienza e rinascita, e con il suo interesse per il confronto tra arte contemporanea e arte antica. L’elemento botanico – presente al posto del capo della figura – richiama la metamorfosi di Dafne, ma qui la trasformazione, a differenza che nel mito, è autonoma, è un’evoluzione personale senza influenze esterne. La scultura, realizzata in marmo rosa e installata nell’umida cantina, è parte di una serie di esemplari, uno dei quali oggi conservato presso la Galleria Borghese di Roma.

Tra le grandi botti in acciaio prende vita l’installazione Red nerve dell’artista polacco Miroslaw Balka, una soluzione site-specific già affrontata in precedenza, ma qui riproposta con un preciso rimando al vino e alle radici della pianta: un unico filo verticale di colore rosso da uno spazio buio sale verso la luce, proprio come le piante fanno in natura. Al centro della pratica artistica di Balka vi è sempre la figura umana, e dunque Red nerve rimanda sì alla fragilità delle radici delle piante di vite ma anche alla nostra vulnerabilità: la linea rossa che taglia con una verticale perfetta lo spazio buio invita lo spettatore a restare “dritto” e a prendersi cura delle proprie debolezze.  

Tana è un ambiente ipogeo accessibile tramite uno stretto corridoio che si apre sul crinale di una collina vitata. Un foro sul soffitto, scavato nel terreno, crea una relazione verticale tra cielo e terra, facendo penetrare la luce e la visione del mondo esterno nell’ambiente sotterraneo. In un dialogo armonico tra pieni e vuoti, l’opera si plasma attraverso i due principi cardine della scultura – l’additivo e il sottrattivo – che, intrecciandosi, generano l’ambiente. Lo spazio assume le sembianze di una camera oscura sul cui pavimento il moto del sole e il mutare della volta celeste scandiscono il tempo, tracciando dal giorno alla notte il fluire continuo del cielo sopra Ama.