L’artista e poeta visivo Ian Hamilton Finlay, interviene delicatamente accostando alcune sculture in bronzo accanto o sopra gli ulivi del Parco. Egli dispone un cesto di limoni in bronzo, sopra una base di mattoni rossi accanto all’albero. Poco più avanti invece, si trova un aratro antico in bronzo con una forma particolare che ricorda i rami degli ulivi. Infine, proprio tra i rami di due ulivi, si trovano due targhe con scritte in italiano e inglese, a concludere una fusione totale con la natura.

Invitato a Celle nel 1982, Gilberto Zorio realizza un’installazione che unisce due momenti distinti della sua ricerca artistica, approfondendo la riflessione sul dinamismo della materia. All’interno della Villa, in una stanza di passaggio caratterizzata da tre porte e due ampie pareti, l’artista invita il visitatore a entrare in un ambiente carico di energia, generato dall’interazione tra calore, materia e luce. Su una delle pareti si trovano due grandi pelli di mucca risalenti agli anni Sessanta (Pelli di mucca con resistenza), che sembrano emanare calore ed energia attraverso un filo elettrico incandescente, evocando la forza primordiale della materia. Sulla parete opposta, Zorio incide con una fiamma ossidrica una stella a cinque punte, la cui superficie presenta riflessi vitrei e sfumature grigie, tipiche dei processi di fusione metallica.

Giuliano Gori, collezionista di Vedova sin dagli anni Cinquanta, invita l’artista veneziano a Celle nel 1985 concedendogli l’uso di tre spazi comunicanti nella torre destra della Fattoria appena restaurata. Qui Vedova lavora alla realizzazione di Plurimi, una serie di installazioni in legno e acciaio interamente dipinte ad olio o tempera, concepite ispirandosi alle mezzelune presenti sui tre lati della torre. Partendo da questa forma, compone dei dischi ricoperti da segni pittorici gestuali, prevalentemente in bianco e nero, con accenni di giallo. I dischi sono disposti in varie posizioni: il primo è appeso a soffitto, all’altezza della finestra a mezzaluna, in un gioco formale di corrispondenza; altre due sono disposte a terra, una sdraiata sul pavimento e l’altra appoggiata su una parete; un ulteriore disco si trova infine sul matroneo soprastante.

Tsoclis entra in contatto con la famiglia Gori nel 1986, durante la Biennale di Venezia, dove presenta in un progetto temporaneo l’installazione video Pesce fiocinato – all’epoca oggetto di scandalo per le immagini di un pesce in fin di vita. Nel 1991 torna a Celle dove darà vita a Genesi, inizialmente collocata all’interno di una stanza accanto a Luna e successivamente trasferita dall’artista presso la Cascina Terrarossa, dove si trova tuttora. L’installazione è composta da due forme ovoidali irregolari, una il doppio dell’altra, poggiate su un letto di fieno all’interno di una stanza chiusa da una vetrata e visibile quindi solo dall’esterno. Le forme ovoidali, realizzate in polistirolo e ricoperte da uno strato di terra levigata, evocano l’origine o l’avvento di un qualcosa di straordinario. L’attesa è sottolineata dalla presenza di un orologio senza lancette che continuando a suonare suggerisce un continuo fluire del tempo senza inizio né fine.

La nascita dell’opera di George Trakas è al tempo stesso complessa e affascinante, poiché intreccia questioni tecniche e riflessioni etiche sulla gestione del Parco. Invitato a Celle nel 1982, l’artista, già noto per la partecipazione a Documenta 6 a Kassel, individua una piccola valle attraversata da un ruscello, dove concepisce Il sentiero dell’amore. Si tratta di un percorso simbolico che inizia con due scale, una in legno e una in ferro, che scendono a distanza l’una dall’altra fino a incontrarsi e trasformarsi in passerelle parallele, le quali conducono a una piattaforma con sedile. Proseguendo, i materiali si scambiano di posizione e avanzano fino a culminare in una vasca a forma di cuore, dove il ruscello raccoglie l’acqua della prima cascata. Per realizzare la vasca, Trakas, supportato da Giuliano Gori e da alcuni artificieri, progetta un’esplosione simbolica che celebri l’idea secondo cui “non c’è abbastanza amore senza esplosione”, un gesto che implica un intervento diretto sull’ambiente naturale, ma che l’artista sceglie di compiere in modo rispettoso e consapevole verso il luogo.

L’opera di Marco Tirelli è composta da una serie di forme bombate dai profili curvilinei, disposte su un prato nella zona sud-est del Parco, tra platani e cedri del Libano. Realizzate in acciaio corten dopo la mostra temporanea Intorno al silenzio del 2009, queste figure si ergono come totem metafisici, indagando il tema del sogno e dell’immaginazione, evocato dalla loro silenziosa immobilità.

L’indagine sul rapporto tra scultura e contesto urbano o museale, che Mauro Staccioli avvia negli anni Settanta e che culmina con la partecipazione alla Biennale di Venezia del 1978, approda a Celle nel 1982 in un contesto del tutto nuovo: quello naturalistico del Parco. Staccioli è tra i primi artisti italiani a confrontarsi con l’ambiente boschivo e individua il luogo ideale lungo il sentiero che costeggia immediatamente la Palazzina del tè, in una radura che si apre tra lecci e pungitopi. Qui inserisce una struttura triangolare in cemento, una sorta di lama immaginaria che sembra fendere il bosco innalzandosi tra gli alberi, fino quasi a confondersi con essi nel tempo, ricoperta di muschi e foglie. Nonostante la sua imponenza, l’opera si integra armoniosamente nel paesaggio, rivelandosi come una presenza silenziosa e inattesa per il visitatore che, lungo il cammino, scorge all’improvviso una punta emergere dal margine del sentiero.

Al terzo piano della Villa di Celle, Spoldi trasforma una stanza cubica in una sorta di camera dei giochi, dove dispone sulle pareti, come in un collage tridimensionale, una serie di elementi tra cui sagome dipinte e ritagliate, cartelli e oggetti pittorici. L’ambiente assume la forma di un teatrino a dimensioni umane, ispirato alla favola Il barone rampante di Italo Calvino, di cui una parte del testo è riportata su una tavola dipinta, appesa accanto alle sagome di un banco scolastico e di una figura femminile. Altre sagome di banchi e burattini umani sono applicate alle pareti, talvolta attraversate da fili che sembrano aver perso la loro funzione, ma che mantengono un senso di sospensione e leggerezza. Nel 1989 Spoldi arricchisce l’opera inserendo al centro della stanza una scultura: una ruota di bicicletta nera e rossa che funge da filtro visivo tra lo spettatore e le sagome in scena, rafforzando il dialogo tra realtà e finzione.

Per il Parco di Celle, Spagnulo realizza una monumentale scultura alta oltre cinque metri, collocata in diretto dialogo con l’antica ghiacciaia. La figura rappresentata è la ninfa Daphne, non più interpretata come creatura graziosa e delicata, ma come una forza tellurica e primordiale, al tempo stesso potente e minacciosa. L’opera, realizzata in acciaio corten e bronzo fusi a pezzi di legno d’ulivo, si integra con la vegetazione circostante, confondendosi con gli alberi e assumendo, a seconda della luce, un carattere ora mimetico, ora rivelato.

L’artista Alan Sonfist sceglie una collina agricola nei pressi del Parco per raccontare la storia del paesaggio toscano attraverso una serie di anelli concentrici. Al centro si trova la sacra foresta primordiale, composta da piante appartenenti alle origini evolutive della regione, affiancate da rami raccolti nel bosco e fusi in bronzo, concepiti come “guardiani della foresta”. Il cerchio successivo è formato da una siepe di alloro, pianta introdotta in Italia dall’antica Grecia e storicamente impiegata per incoronare eroi e poeti. Tra i rami e l’alloro cresce spontaneamente il timo, evocando un gioco di parole tra thyme e time, ovvero il tempo. Intorno a questo nucleo si dispone l’anello di galestro, testimonianza del suolo vinicolo del Chianti, destinato a erodersi e a reintegrarsi naturalmente con la terra. Il grande cerchio di ulivi preesistente, ispirazione iniziale dell’artista, insieme al cerchio di grano seminato annualmente, richiama l’uso agricolo del terreno e chiude idealmente l’intera installazione, in un ciclo continuo di memoria e rigenerazione.

Susana Solano colloca Acotation in una piccola conca ombrosa, tra la fitta presenza di bambù e lecci, accessibile abbandonando il viale principale e scendendo lungo un sentiero. La scultura, realizzata in acciaio corten, si impone nello spazio come un grande braciere o un congegno sollevato da quattro gambe, fondendo in modo equilibrato l’elemento artificiale con quello naturale. Osservata dall’alto, la forma dell’opera sembra evocare il movimento degli alberi piegati dal vento; avvicinandosi frontalmente, invece, si apre una visuale verso il cielo, attraverso i rami che filtrano la luce, generando una sensazione di intimità e protezione. Acotation si configura come un’opera ibrida, a metà fra scultura e architettura, che, pienamente integrata nel paesaggio, instaura un dialogo costante tra materia, forma e ambiente.

Per l’inaugurazione del Parco di Celle, Richard Serra è invitato a realizzare un’opera site-specific, da collocare in uno spazio scelto liberamente, in dialogo con le caratteristiche del luogo. Durante il sopralluogo, l’artista individua una collina che degrada verso il lago come area ideale di intervento. Comprende da subito la necessità di abbandonare il ferro, suo materiale consueto, per adottarne uno più coerente con l’ambiente, sia dal punto di vista estetico che concettuale. Opta così per la pietra, utilizzandola per la prima volta, e realizza otto blocchi in Colombino di Fiorenzuola, da lui personalmente selezionati in modo che ciascuno corrisponda esattamente al grado d’inclinazione del pendio. Tutti e otto i blocchi emergono di circa due metri dal suolo e sono disposti nel punto preciso individuato dall’artista, generando una sequenza di piani virtuali che interagiscono con il paesaggio circostante.

Una gigantesca trappola per topi è incastrata tra le pareti della piccola stanza al terzo piano della Villa di Celle, rappresentata nell’atto di imprigionare il sole e la luna: due sagome in legno colorate, ben visibili tra i ferri del marchingegno. Il sole, adagiato sul pavimento, sembra cercare di irradiare tutto ciò che lo circonda, con un atteggiamento quasi annoiato e indifferente alla propria prigionia. La luna, invece, appoggiata al sole, appare in tensione, come se tentasse la fuga in un moto dinamico accentuato dalla sua forma, simile alla lama di una falce. La scultura occupa interamente la stanza, costringendo i visitatori a osservare la scena dal corridoio di passaggio.

Ulrich Rückriem viene invitato a Celle nel 1982, come parte del primo gruppo di artisti chiamati a dare forma alla Collezione ambientale di Giuliano Gori. Durante un sopralluogo nel Parco, individua un’area all’ombra di alcuni lecci disposti in cerchio, nel punto di incrocio di stretti sentieri. Affascinato dal carattere quasi sacrale del luogo, decide di collocare esattamente in quel punto un monolite in pietra serena: un blocco tagliato e poi ricomposto in tre parti, che conserva sulla superficie i segni visibili della lavorazione. Un fronte mostra tagli e fori che testimoniano l’intervento dell’uomo, in contrasto con la conformazione naturale della pietra; l’altro, più compatto e regolare, presenta esclusivamente tagli verticali e orizzontali, in ideale corrispondenza con l’incrocio dei sentieri. I lati stretti, infine, sono attraversati da un ritmo costante di linee orizzontali generate dal processo di taglio, che restituiscono equilibrio e misura all’intero volume.

Dmitri Prigov viene invitato a Celle nel 1988 in occasione di Mosca Terza Roma, mostra temporanea promossa da Giuliano Gori che riuniva, oltre a Prigov, alcuni tra i principali artisti underground moscoviti: Andreij Filippov, Georgij Litichevskij, Boris Orlov, Andreij Roiter, Vadim Zacharov e Konstantin Zvezdociotov. Per l’occasione, Prigov interviene con colore e inchiostro di penne Bic sulle pagine del principale quotidiano comunista, Pravda, presentando inoltre una lettura di sue poesie tradotte in italiano. L’anno successivo l’artista torna a Celle, dove realizza un’installazione che amplifica dimensioni, materiali e complessità del lavoro precedente, collocata all’interno di una stanza della Fattoria. Anche in questo caso Prigov lavora sulle pagine del Pravda, componendo un collage a schema libero lungo l’angolo di incontro tra due pareti. In contrasto, su un’altra parete elabora una composizione a ritmo regolare, costituita da panneggi grigi che delimitano cinque piccole “cappelle”. A ciascuno di questi spazi sacri corrispondono cinque pagine di giornale incollate su pannelli di legno, ognuna recante una delle parole dei cinque stadi dell’uomo secondo Nietzsche — beast, infant, man, hero, sage — e cinque piccole icone in bronzo: figure ibride, a metà tra uomo e gallo, che piangono una lacrima rossa e stringono con le zampe un uovo patinato lucido. L’opera compone così una scena sospesa tra sacralità e ironia, tra mito e allegoria contemporanea.

Nel 1982 i coniugi Anne e Patrick Poirier vengono invitati a Celle per realizzare, per la prima volta insieme, un’opera ambientale di grandi dimensioni. Gli artisti collocano una serie di frammenti scultorei in uno specchio d’acqua immerso nella fitta vegetazione del Parco, da cui emerge un gigantesco occhio in marmo, trafitto da una lancia in bronzo. Attorno ad esso, altre frecce bronzee si conficcano in frammenti marmorei, componendo una scena al tempo stesso tragica e pittoresca, amplificata dal paesaggio circostante e dal suono delle cascate. Come riportano le iscrizioni incise sulle frecce, tratte dai versi di Virgilio, i resti scultorei alludono a Efialte, il gigante che, secondo il mito greco, durante la battaglia tra giganti e dei venne colpito agli occhi da una serie di frecce, morendo sul colpo.

Jaume Plensa viene invitato a Celle nel 1997, chiamato a realizzare una mostra temporanea, intitolata Rumore, presso la Cascina Terrarossa. All’esposizione segue la realizzazione di un lavoro permanente per la collezione di Celle, un’installazione situata a margine del Parco, dove si trovano gli ulivi. L’installazione consiste in una particolare struttura a pianta quadrangolare, prossima al cubo, divisa da una parete centrale che la rende bipartita. La piccola architettura, costruita con mattoni di vetro,  è semitrasparente e gioca con  la luce naturale, che attraversa la superficie. L’accesso avviene da due ingressi speculari sui lati lunghi. Entrando i visitatori vengono separati da una parete semitrasparente, che consente solo una percezione visiva, ma non contatti fisici o comunicazione. Su di essa sono incise parole contrapposte, come ad esempio: pace, giovane, ricco riflesse dall’altro lato da guerra, vecchio, povero. Di notte, le luci al neon bianche poste sui due soffitti diffondono un bagliore freddo nella campagna, come fosse un igloo.

Presente nella Collezione Gori dal 2016 e collocata al primo piano della Casapeppe, La foresta orizzontale dialoga con il Wall Drawing #1122 di Sol LeWitt, contrapponendo alle tensioni verticali del disegno geometrico le strutture orizzontali dei lavori di Fabrizio Plessi. L’opera consiste in un ciclo di otto disegni che indagano la trasmutazione degli elementi naturali: tronchi d’albero trasformati in contenitori per monitor, in cui il legno diventa supporto per la videoarte. Queste teche in ferro, orizzontali per definizione, accolgono immagini a colori che introducono una dinamica di scambio tra materia viva, tecnologia e visione. Il contrasto con la rigorosa geometria nera di LeWitt evidenzia la tensione formale tra ordine razionale e corporeità organica, sospendendo lo spettatore in uno spazio di confine tra natura, arte e tecnologia, tra segno naturale e segno artificiale.

L’opera Il testacoda. La coda dell’Arte Povera è un’installazione di Michelangelo Pistoletto esposta all’ultimo piano della Villa di Celle, sviluppata a partire da una versione precedente presentata nel 1980 in uno spazio identico per dimensioni e tipologia architettonica. La rara coincidenza fra i due ambienti fu decisiva per convincere Giuliano Gori a includerla nella sua collezione, costituita esclusivamente da opere site-specific.
L’installazione è realizzata interamente con materiali di recupero – vestiti, vecchie tele, attrezzi da lavoro – assemblati a comporre quattro elementi principali collocati in diverse posizioni.
Dal corridoio si scorge una ringhiera, probabilmente parte di una mangiatoia, appesa al muro e inclinata in avanti. Di fronte a essa si trova una sfera, formata da vecchie tele spezzate e appallottolate, sormontata da una falce. Accanto, un “ariete”: un oggetto ibrido e difficilmente identificabile, composto da un braccio in legno con una “dentatura” in ferro – forse proveniente da un vecchio cancello. Infine, una “coda” realizzata con stracci colorati culmina in una sorta di cresta metallica, che si innesta su un rastrello e sembra generare una “testa”.
L’allusione animalesca a “testa” e “coda” ricorre più volte, ma è forse quest’ultimo elemento a incarnare meglio il gioco di parole che rimanda, ironicamente, anche all’Arte Povera.

Quando l’artista americana Beverly Pepper venne invitata a Celle nel 1992, era già nota per i suoi interventi scultorei ambientali ed era una figura di rilievo nella scena artistica romana, che frequentava sin dagli anni Cinquanta, dopo essersi trasferita in Italia. Per il Parco di Celle l’artista concepisce un teatro naturale a cielo aperto e individua uno spazio ideale nel pendio tra la Palazzina del tè e il bosco naturale. L’opera è pensata come una scultura autonoma che, al tempo stesso, possa divenire un teatro funzionante, tanto da ospitare durante l’estate spettacoli di musica, danza e performance contemporanee. Pepper sfrutta la discesa naturale del terreno per disporre le gradinate a ventaglio, realizzate in blocchi di tufo e ricoperte d’erba, e ricava le quinte inserendo due elementi piramidali in cemento, decorati con bassorilievi in ghisa, seguendo la conformazione ad anfiteatro del pendio. Opposte al palco, sulla sommità del declivio, si ergono invece due colonne in ghisa, dalla vaga forma antropomorfa, che sembrano vigilare come sentinelle sul teatro.

Giuseppe Penone interviene al terzo piano della Villa di Celle, lavorando sul concetto di albero, elemento cardine della sua ricerca sin dagli esordi. L’artista modella manualmente una colonna in gesso, la cui superficie conserva chiaramente le impronte delle mani. La colonna, intitolata Albero d’acqua, è collocata al centro della stanza e poggia su un frammento di vaso in terracotta, sormontata da un altro, più piccolo, posto sul bordo superiore.
Accanto all’Albero d’acqua, Penone realizza una grande impronta interna di un labbro umano, tracciata a carboncino con segni irregolari. Da questa figura emerge un’escrescenza in gesso che richiama la colonna, sia per il materiale sia per l’eco delle impronte di mani e labbra.

Giulio Paolini giunse a Celle nel 1983 e si confrontò da subito con una stanza al piano attico della Villa, decorata con scene ispirate alla pittura vascolare attica. L’artista intervenne sulle due pareti vuote della sala tracciando, a carboncino, un essenziale reticolo prospettico che definisce un contorno entro il quale inserì una figura femminile per parete. Si tratta di due muse coronate da foglie di alloro vere, che si irradiano dalle teste verso il resto della composizione, confondendosi con foglie disegnate realizzate su quattro quadri tenuti in mano dalle due dee ispiratrici. I dipinti raffigurano rispettivamente un quadro capovolto e uno posto frontalmente, caratterizzato da colori chiari e sfumati. L’intervento mette in dialogo disegno, materia vegetale e pittura, rinnovando in chiave contemporanea i riferimenti classici della stanza.

Nel lago del Parco, gli animali d’acqua coabitano con due oggetti dalla morfologia curvilinea e dal colore rosso corallo, che si muovono seguendo le increspature della superficie, generando riflessi cangianti e giochi di luce in continua trasformazione. Le due forme astratte, una di dimensioni pari a circa la metà dell’altra, mantengono una distanza costante pur muovendosi in sincronia, collocandosi in una zona liminale, a metà fra l’oggettualità delle boe e la presenza organica degli animali.

All’ultimo piano della Villa di Celle, attraversando il corridoio che conduce alla sala grande, si entra in un loop esoterico generato dalle figure mostruose disegnate a carboncino da Mimmo Paladino sulle pareti e sul soffitto del tunnel. L’artista costruisce una tensione crescente attraverso questi segni, che proseguono fino all’apertura della stanza principale, dove lasciano spazio a forme geometriche di un rosso acceso, quasi fluorescente. Questi elementi, che sembrano “volare” sulle pareti, incorniciano due presenze centrali: un dipinto murale e una scultura totemica collocata al centro della sala. Il dipinto raffigura una figura umana in bianco e nero su uno sfondo dai toni caldi del rosso, del giallo e del blu. La figura tiene in mano un ramo ed è circondata da forme animali o paesaggistiche, nonché da una sagoma umana sul torace e da una maschera blu simile al volto. Il tema primitivo e sciamanico si riflette anche nella cornice, decorata da una maschera e da un serpente ligneo. La scultura totemica, in legno e a forma di “A”, è interamente dipinta con figure rituali legate all’inconscio. Collocata davanti alla finestra rivolta a sud, la scultura indica simbolicamente la direzione di Vinci, a cui l’opera rimanda nel titolo.

L’intervento di Dennis Oppenheim, tra i primi e più complessi del Parco di Celle, riflette pienamente gli intenti e le complessità del progetto: preservare le opere rispettando l’equilibrio naturale che le accoglie. Tuttavia, sebbene la cura e la manutenzione siano sempre state un impegno costante della Collezione Gori, tali interventi non possono estendersi a fenomeni di più ampia portata, come i cambiamenti climatici e le violente intemperie che, nel tempo, hanno colpito numerosi alberi secolari del Parco e danneggiato anche questa installazione, profondamente legata a una grande quercia oramai crollata.  L’opera è composta da alcune teleferiche, poste sulla sommità di un pendio, che si collegano ad una grande torre da cui partono una serie di enormi rampe di lancio per razzi e fuochi d’artificio, rivolte verso la valle. L’intero congegno è oggi ancora visibile sul pendio interno al bosco sciolto dal legame che la vedeva sviluppata attorno alla grande quercia, costruendosi attorno ad essa e rispettando la sua imponenza. 

Smarrimento è il titolo dell’intervento di Nunzio presso il Parco della Fattoria di Celle: un presagio nefasto che si manifesta sulla parete destra della stanza in fondo al corridoio, interamente rivestita con assi di legno carbonizzate, dal colore nero profondo. Alle spalle di chi entra, nell’angolo sinistro, riappare il colore nero in un cuneo di piombo, isolato rispetto alla parete, che amplifica la sensazione di solitudine e disorientamento evocato dall’opera.

Da anni impegnato in una ricerca sul Sé, Nagasawa giunge a Celle nel 1996, con l’idea di costruire un giardino Zen in marmo, scegliendo una piccolissima radura, coperta dal fitto bosco del Parco, lungo il sentiero che dalla Cascina Terrarossa scende verso il lago grande. Seguendo l’itinerario del Parco, ci si trova dinanzi a una struttura chiusa da pareti bianche in marmo di Carrara, sopra le quali scorre un piccolo tetto/gocciolatoio triangolare realizzato in marmo rosso di Verona.
Girandoci attorno, richiamati anche dal suono di una cascata d’acqua, si scova un angolo più nascosto. Qui troviamo una piccola cascata e una vasca in marmo verde che segnano un’apertura verso l’area interna al perimetro.
Per accedere all’interno occorre attraversare il piccolo bacino, passando sotto all’incrocio di due getti d’acqua: un simbolico passaggio di purificazione. Giunti all’interno della stanza, ci si trova in uno spazio bianco perfetto segnato sul pavimento da alcune linee ad intarsio in marmo giallo di Siena.

Melancholia II nasce dalla casualità e dall’incontro eccezionale fra due grandi artisti: l’americano Robert Morris e l’italiano Claudio Parmiggiani. Conosciutisi casualmente durante un soggiorno a Celle, i due hanno trovato immediata sintonia nell’interesse verso la storia dell’arte dall’antico a oggi. I riferimenti sono infatti a Melancholia I di Albrecht Dürer, ma anche al Ritratto di Luca Pacioli, il celebre matematico ritratto nell’atto di insegnare all’allievo la teoria dei cinque poliedri regolari di Euclide. Tra un fitto boschetto di bambù, illuminati dal filtrare dei raggi del sole, compaiono infatti un poliedro, una sfera, una ruota e una colonna in marmo, con accanto una campana in bronzo, tutti elementi visibili nelle due opere. L’interesse per questi elementi storico-artistici si unisce al comune accento sul rapporto tra sculture e spazio, in questo caso naturalistico e suggestivo. 

Accanto alla Villa, all’inizio del Parco della Collezione Gori, si erge una figura in bronzo alta tre metri, dalle forme morbide e rotonde: è la Venere di Robert Morris, un’opera realizzata per celebrare i trent’anni di apertura della collezione. Qui, rispetto alle opere ambientali o ai feltri precedentemente realizzati, troviamo una figura femminile chiaramente ripresa dalle Veneri paleolitiche, con le stesse forme tonde esasperate ma con una dimensione notevolmente ingigantita. La ricerca sulle forme, portata avanti sin dagli esordi, porta Morris a riprendere la mitologia antica e le forme più classiche, un’ulteriore evoluzione o forse un’ultima svolta poetica.

Morris realizza un’opera di matrice concettuale volta ad evocare fatiche fisiche e morali di cui l’uomo è vittima in ogni epoca. 

L’installazione realizzata per la torre sinistra della Fattoria si divide infatti in tre elementi: la ruota-macina, la saetta e le impronte graffianti. Questi segni hanno evidenti riferimenti allo sforzo fisico e all’impotenza dell’uomo sopraffatto da forze naturali e dinamiche di potere. L’atmosfera austera delle travi a vista e delle robuste murature alimenta le sensazioni e i ricordi di fatiche e affanni nel tempo.

Senza titolo è un’opera realizzata nel 1993 come evoluzione di un prototipo concepito durante il primo soggiorno di Morris presso la Fattoria di Celle, nei primi anni Ottanta.  L’intervento è composto da due feltri che coabitano il pianterreno di Casapeppe: due forme contrapposte, in costante dialogo e confronto. La prima, visibile sin dall’ingresso, è infatti realizzata in feltro industriale bianco e si presenta come una struttura quadrangolare, morbida ma stabile, caratterizzata da piegature e tagli lineari che accentuano la tensione verso l’osservatore. La seconda, visibile solo dopo essere entrati nella stanza, è in feltro grigio scuro e si distingue per la sua instabilità e per la sua forma flessuosa e cadente, sostenuta da un unico punto centrale. Questa si arrotola su se stessa, creando un soffice accumulo sul pavimento.

Durante la realizzazione della sua prima opera per il Parco, Robert Morris aveva utilizzato la Fattoria come studio. In quell’occasione l’artista aveva concepito tre cornici in tecnica mista, rimaste completamente vuote per circa nove anni. Nel gennaio del 1993 decise di intervenire completando con pannelli metallici, patine e cere, dando vita a tre opere uniche caratterizzate da un gioco di riflessi e profondità spaziale. In esse si contrappongono figure apocalittiche incise nelle cornici a immagini opache e astratte poste al loro interno.

Il Labirinto di Robert Morris è un’installazione monumentale a base triangolare che spicca tra il verde del Parco, grazie all’alternarsi di fasce chiare, in pietra di Trani, e fasce scure, in serpentina, con un evidente richiamo ai colori delle chiese romaniche toscane. Addentrandosi nel percorso interno, si è colti da un senso di claustrofobia, nonostante l’assenza di un soffitto e l’apertura verso il cielo. Le monotone righe bianche e nere, insieme al sali e scendi del piano, contribuiscono a disorientare e deformare la percezione del percorso che angusto e stretto, porta a un vicolo cieco, costringendo il visitatore a tornare indietro.

Il termine giapponese Utsurohi indica un particolare vento marino, ma anche una condizione di movimento e fluttuazione continua. Da questo concetto Aiko Miyawaki ha tratto ispirazione per un’indagine formale incentrata sulla leggerezza e sul dialogo tra materia e spazio, un linguaggio che affascinò profondamente Giuliano Gori durante la sua esperienza parigina come consigliere del Comitato EPAD (L’Établissement public pour l’aménagement de la région de la Défense). Invitata a Celle, l’artista concepì un intervento minimale per una collina tra vigne e ulivi: decise di piantare nel terreno dei dischi in acciaio inox da cui fuoriescono sottili cavi fluttuanti dello stesso materiale. Questi cavi leggeri, simili a piante spontanee, vengono costantemente mossi dai flussi del vento e si confondono rispettosamente con la natura del luogo.

L’opera di Alessandro Mendini fa riferimento al progetto del 2000 di Giuliano Gori, il quale invitò amici artisti, nati nel suo stesso anno, a scegliere un albero del bosco, facendolo diventare proprio: Gori scelse la sequoia, Dani Karavan il cipresso e Magdalena Abakanowicz il platano. Mendini, non essendo nato nello stesso anno di Gori, non avrebbe potuto partecipare all’evento, così qualche anno dopo, nel 2012, decise di realizzare un grande albero di acciaio inox interamente dipinto, riportante la seguente scritta:  «Scusami Giuliano se non sono nato nel ’30». L’opera era stata esposta in anteprima presso la Fondazione Maeght nella primavera 2012, poi collocata nel Parco di Celle nell’estate dello stesso anno.

In occasione della retrospettiva tenutasi a Forte Belvedere nel 1981, Fausto Melotti presentò una scultura monumentale intitolata Tema e variazioni II, posta in un suggestivo dialogo con la città, in equilibrio tra visibile e invisibile. Data l’incertezza sul destino dell’opera, Giuliano Gori decise di includerla nel suo Parco in costruzione. L’installazione fu collocata su uno specchio d’acqua non distante dalla villa di Celle, su una lieve altura adiacente al bosco. L’instabilità apparente della struttura in acciaio inox, lineare e rigida, è esaltata dal contrasto con l’acqua, che ne amplifica le vibrazioni visive e le riflessioni luminose. Le sfere, le catene e gli elementi mobili, mossi dal vento, generano lievi suoni che restituiscono all’opera la sua dimensione musicale, in armonia con i suoni naturali del paesaggio.

La mia idea del Cosmo è un intervento realizzato da Eliseo Mattiacci nel 2000, in seguito alla grande personale tenutasi a Cascina Terrarossa, che colpì profondamente Giuliano Gori. Affascinato dalla forza visionaria dell’artista, Gori lo invitò a condensare quella ricerca in un’opera permanente per la Fattoria. Mattiacci sfruttò l’ultima stanza disponibile, ribattezzata poi “stanza galassia”, coprendola interamente con piccole sfere di piombo nero, che occultano il pavimento in cotto e richiamano la materia oscura dell’universo. Su questo fondo galleggiano tre pianeti in alluminio incisi da segni astratti vorticosi: due semisfere, percepibili solo per metà, e una sfera intera al centro, che sembra dominare la composizione.

Per il lago del Parco di Celle, lo scultore simula la nascita di una nuova isola tracciando, in marmo, i suoi bordi che affiorano dall’acqua creando un peculiare connubio tra acqua e cielo. L’opera specialmente se vista con il plenilunio, crea un’atmosfera suggestiva, riportando l’attenzione sulla natura e sui pesci che non curanti delle stelle o dei grandi sistemi nuotano attorno.

L’opera Per quelli che volano è una dedica poetica a Pina Gori, realizzata e presentata per la prima volta alla Biennale Internazionale di Scultura di Carrara del 2010. L’installazione consiste in una panchina collocata sul bordo del tetto della fattoria, rivolta verso il Parco,in prossimità della residenza della famiglia e della terrazza da cui Pina amava spesso contemplare il tramonto. Figura profondamente amata e stimata dagli artisti, Pina Gori viene qui ricordata attraverso un gesto semplice e sospeso, che ne evoca la leggerezza e presenza spirituale. In accordo con l’artista, l’opera è divenuta successivamente il soggetto dell’etichetta del vino rosato, Pina, prodotto a Celle con uve di sangiovese.

Il primo intervento di Luigi Mainolfi a Celle è una scultura in terracotta naturale, collocata nella vecchia tramoggia per i cereali, nella torre sinistra della Fattoria. Dal piccolo specchio d’acqua posto sul fondo si innalza una forma biomorfa alta oltre i cinque metri: una sorta di colonna vivente la cui superficie, segnata da impronte, ricorda la pelle di un rettile. Questa creatura serpiforme, munita di antenne e con la bocca spalancata, si protende verso l’alto come in un moto di liberazione, accompagnata da piccoli animaletti acquatici anch’essi in terracotta.

Trenta cipressi della varietà Bolgheri, disposti su quattro filari convergenti, guidano il visitatore verso La Serra dei Poeti, un monumento in acciaio inox  e vetro progettato dal poeta e scrittore Sandro Veronesi e realizzato dal paesaggista Andrea Mati. L’ispirazione è il paraboloide iperbolico, mito ingegneristico del secolo scorso, simbolo di “resistenza per forma” e metafora della Poesia stessa. All’interno, un semenzaio contiene le essenze vegetali amate e celebrate dai poeti illustri, ricordati anche dai trenta cipressi, ognuno dedicato ad un poeta della tradizione italiana. L’opera si pone come omaggio alla parola poetica e al suo valore di permanenza e rinascita.

L’opera, collocata in uno spiazzo erboso nel Parco, nasce in stretta relazione con Anello verde di Prato, l’anello circolare in pietra verde di Prato posta nella Fattoria di Celle. Cerchio di erba si presenta come la sua impronta, della stessa dimensione, evocando la possibile e passata presenza delle pietre sull’erba, come se vi fossero state adagiate per un certo tempo. Oggi, attraversando il prato, si scorge il segno che gioca sul rapporto tra visibile invisibile, tra  presenza e assenza.

Situato nell’ex granaio della Fattoria di Celle, accompagnato da due pitture murali di Sol LeWitt, si trova l’opera di Richard Long, un anello realizzato con rocce raccolte a Figline di Prato, dove si trova appunto la nota pietra verde di Prato. Long dispone le pietre di medio-piccole dimensioni in cerchio, lasciando vuoto l’interno e l’esterno. Le pietre dal verde al grigio, con alcune note chiare e scure, risaltano sul pavimento rosso della fattoria creando un interessante contrasto.

L’artista visivo e compositore musicale Daniele Lombardi, realizza nel 2016 un portone in bronzo per la Cappella presente nel Parco di Celle. Si tratta di un intervento in cui l’artista incide sul bronzo lo spartito musicale della Vergine Madre, un assolo di violino ispirato all’ultimo canto del Paradiso dantesco.
Lombardi ha seguito le fasi di produzione accertandosi che la composizione rimanesse leggibile per chi vede il portone dall’esterno ma anche come segnale per chi vi entra, in quanto ad ogni apertura corrisponde l’inizio della composizione interpretata dal violinista Francesco D’Orazio. L’opera è parte del progetto multimediale divina.com.

L’ultimo intervento di Sol Lewitt per la collezione Gori è del 2004, ed è un’operazione concettuale di grande raffinatezza, che racchiude l’importanza dell’intero operato dello statunitense. Si tratta di un Wall Drawing composto da quindici superfici quadrate nere, di tre per lato ciascuna, che riportano impercettibili tracce di grafite: delle linee che vanno da destra a sinistra e viceversa, sovrapponendosi tra loro. L’opera, visibile presso Casapeppe, raccoglie la continua ricerca di variazioni e ripetizioni seriali su un tema che caratterizza la pratica concettuale di LeWitt.

1-2-3-2-1, è una struttura autoportante rigorosa, composta dalla ripetizione modulare di cubi bianchi aperti di cui si visualizzano soltanto i lati, in alluminio bianco, a formare una griglia tridimensionale.  La scultura fa parte di una serie più ampia di strutture, parte del repertorio dell’artista sin da fine anni Sessanta, e si configura come un’analisi della modularità e della ripetizione seriale.  Nonostante la sua essenzialità asettica, essa gioca e dialoga con lo spazio aperto del Parco, fondendo il rigore geometrico alla sinuosità formale della natura.

Realizzata in cemento bianco nel 1988, Cubo senza cubo è una scultura monumentale di Sol Lewitt (5 x 5 x 5 m) che emerge dal terreno incorniciata da platani, da ippocastani e dalla fitta vegetazione del Parco. La struttura, composta a sua volta da mattoni di 20 x 50 cm, è caratterizzata dall’assenza di un ottavo del cubo. Si tratta di un tipico intervento dell’artista che, partendo dall’essenza delle forme geometriche, ha compiuto una ricerca sulla scomposizione seriale e sulla modularità come forma d’arte.

Il primo intervento dell’artista per la Collezione Gori è composto da due pitture murali ispirate alla tradizione pittorica del Quattrocento italiano, quindi create secondo pigmentazioni e cromie che ricordano quelle già presenti nella Fattoria. Entrambi i progetti studiano la forma piramidale: il primo vede una grande piramide, aperta in toni caldi e intensi, occupare l’intera parete non curante delle due aperture sottostanti; il secondo è stato realizzato in dialogo con l’anello di pietre di Richard Long al centro della stanza, e vede due piramidi aperte in sfumature di blu, quindi più fredde ma più vicine ai colori della roccia.

Tre figure monolitiche dalle sembianze femminili si integrano alla vegetazione del Parco di Celle, coperte di muschi che le confondono fra lecci e pungitopi.

Si tratta di tre figure misteriose, realizzate in vetroresina e poi rivestite di pietra. La più evidente sbuca tra gli alberi in posizione eretta, un’altra invece è sdraiata sulla schiena con le ginocchia piegate, come se stesse riposando, mentre l’ultima appare supina e affonda nel terreno.

Al centro del lago del Parco di Celle emerge un’isola fitta di vegetazione, sulla quale si erge un tempietto sormontato da una Venere in marmo di Carrara. Joseph Kosuth interviene sul luogo riflettendo sul tema dell’invisibilità e dell’enigma, collocando una lastra di vetro alta due metri che schermando parzialmente il tempietto divide l’isola in due porzioni. La lastra, che impedisce il passaggio, reca incisa una citazione di Friedrich Nietzsche:

 «Quelle stesse cose nelle cui stabilità e costanza l’angusta cervice dell’uomo e dell’animale ripone la sua fede, non hanno affatto una propria esistenza, sono il balenio e il barbaglio di spade sguainate, sono lo scintillare della vittoria nella lotta delle qualità antagoniste».

Sulla superficie del vetro si trovano anche incisioni di disegni topografici del luogo, che amplificano la dimensione enigmatica dell’opera e la percezione sospesa del paesaggio.

L’installazione di Kiefer si articola in due ambienti, uno al piano terra e uno al piano superiore. Nella prima stanza, due grandi tele in piombo intelato sono incise con costellazioni e combinazioni alfanumeriche tratte dalla nomenclatura della NASA: segni che nell’opera collegano la sfera celeste ad una mappa terrestre con alcune rovine di vecchi osservatori.
Al piano superiore una pila di libri in piombo è sormontata e circondata da frammenti di vaso. Una scritta sulla parete riporta: “Shevirah ha-kelim”, un termine della Kabbalah ebraica che significa “rottura dei vasi”, alludendo ad una disarmonia energetica che sembra espandersi fino a ridursi nel caos.

Il terzo intervento di Dani Karavan abita la Palazzina del tè, un capriccio architettonico realizzato dall’architetto Giovanni Gambini all’interno del Parco. L’artista predispone, al primo piano, una superficie specchiante leggermente rialzata che funge da tavolo per la cerimonia del tè. Su di essa è collocato un grande cono di foglie di tè, circondato ai bordi da sette piccole ciotole ottagonali e altrettanti “cuscini” in porcellana bianchissimi che replicano la forma della stanza. Gli specchi moltiplicano lo spazio e le decorazioni della stanza, creando un effetto di profondità illusoria. L’installazione è visibile solo dalla porta finestra del balcone. Una fila di sette paia di sandali giapponesi conclude l’intervento di Karavan, lasciando traccia di ipotetici celebranti del rituale.

Dopo l’acquisizione dell’opera presentata alla Biennale, Dani Karavan si reca a Celle nel 1982, dove lavora alla realizzazione di un’installazione site specific per il Parco. L’artista israeliano traccia tre linee di cemento lungo tre pendii del Parco, collegandole poi alla riva del lago centrale, mostrando come tra bosco, bambù e fitta vegetazione il Parco sia in realtà studiato simmetricamente. Un quarto frammento è stato aggiunto nel 1989: una barca in acciaio inox che galleggia cullata dal lago; mentre nel 1999 l’installazione si è conclusa con l’inserimento di  una colonna rettangolare in cemento bianco che si erge invece verso l’alto sul lato ovest del prato.

Quest’opera è uno dei pochi casi in tutto il Parco di acquisizione senza produzione e concezione site specific. Si tratta infatti di un lavoro visto da Giuliano Gori alla Biennale di Venezia del 1976 e voluto dal collezionista nel Parco dove è stato poi collocato sopra un prato verde pianeggiante.
L’opera è idealmente impregnata di diritti umani e pacifismo, segnando un’ideale unione fra il popolo palestinese e quello israeliano, nella città di Gerusalemme. L’acquisizione ed esposizione dell’installazione marmorea presso il Parco di Fattoria di Celle ha rappresentato un segnale di fraternità tra collezionista e artista, un messaggio di legame e permanenza per la collezione che stava prendendo forma. 

L’artista isrealiano, presente alla Biennale di Venezia del 1978, realizza il suo intervento nel Parco di Celle nel 1993. Si tratta di un “gregge di pecore” realizzato attorno alla casa colonica un tempo residenza del pastore della Fattoria. Kadishman dispone sul prato delle lastre di travertino bucate che al loro interno permettono all’erba di crescere, generando le sagome delle pecore (una per ogni lastra). Il risultato è appunto la costituzione di un primo gregge attorno alla casa, affiancato da un secondo che si trova invece nell’ex aia della cascina dove sono state piantate delle sagome in ferro.

Costruito sopra uno spiazzo a forma quadrangolare, circoscritto da muretti in pietra serena originari del medioevo usati per delimitare l’acquedotto, si trova il percorso meditativo di Bukichi Inoue. Passando attraverso due colonne in legno, inizia il cammino verso un corridoio con alti muri in pietra. A metà percorso si trova un getto d’acqua posto in mezzo a due nicchie, munite di apposite sedute: un momento di purificazione e riflessione. Alla fine del corridoio, una porta fa da tramite verso un cunicolo stretto e sinuoso interno alla collina. Nonostante l’effetto claustrofobico e a tortuosità di questo tratto, il percorso si conclude all’aria aperta. Si sbuca infatti in un grande cubo di vetro che permette poi l’uscita definitiva che metaforicamente conduce all’illuminazione razionale.

L’intervento di Federico Gori si trova nella sala della Cascina Terrarossa e appartiene ad una serie di lavori in progress intitolata Estinti. Si tratta di una composizione che raccoglie elementi in rame incisi e ossidati con le impronte di sei piante ormai scomparse: Cooksonia (la prima pianta sul pianeta), Psilophyton, Zamites, Schizostachys pinnata, Sphenophyllum e Anomozamites. L’artista ha tratto le sagome dai pochi reperti fossili disponibili, trasformandole in pattern ripetibili: la grafica si ripete, ma ogni lastra è individualizzata dalle ossidazioni naturali e dal mutare del rame nel tempo, rendendo ciascun pezzo tanto unico quanto lo furono gli organismi che rappresenta. L’opera manifesta un tempo interno — i moduli si comportano come organismi che “cambiano pelle” — e occupa tre pareti della sala; il sistema si dipana a partire da una finestra decentrata, generando due figure simmetriche che suggeriscono grandi ali aperte verso il visitatore.

L’artista dipinge una porzione di cielo in una stanza al secondo piano della Cascina Terrarossa. Qui le pareti, attraversate nuvole bianche e spumose su un fondo azzurro, si riflettono sulle mattonelle specchiate disposte per terra. L’effetto generato è totalizzante, e provoca una sospensione dello spettatore nel cielo, connettendo l’individuo ad una dimensione più alta, quella dove si trova l’artista, la cui figura è stampata sulle mattonelle. 

In vari punti del Parco, confuse tra la vegetazione, si trovano sette fontane in bronzo realizzate dall’artista iraniano Hossein Golba contestualmente alla sua mostra. L’artista ha creato dei piccoli tronchi in bronzo che replicano la corteccia degli alberi circostanti, con l’obiettivo di mimetizzare il suo intervento con la natura. Alla sommità del tronco di trovano delle piccole ciotole contenenti due piccole teste di “amanti”, ogni coppia diversa dall’altra. L’intervento di Golba a Celle è stato poi ampliato dalla produzione di altre sette fontane donate da Giuliano Gori al  Giardino di Boboli di Firenze, ma è anche impreziosito dalla realizzazione dell’etichetta per le bottiglie di Chianti D.O.C.G., Il Cardinale.

Affascinato dagli studi di Leonardo Da Vinci sulla reazione dell’acqua a contatto con altri elementi, Michel Gerard realizza un’opera che sembra replicare l’effetto dell’acqua di uno stagno dopo che un sasso vi è caduto dentro. L’artista plasma una struttura in vetro, alluminio e bronzo, replicando i cerchi concentrici che si generano come reazione al contatto, questa volta come se fossero congelati in una stasi perpetua. L’effetto dell’opera è alimentato dalla sua posizione interna ad un bacino in cui confluisce e ristagna l’acqua che si collega al lago del Parco.

L’artista interviene modificando e aggiungendo elementi alla storica voliera risalente alla prima metà dell’Ottocento e progettata da Bartolomeo Sestini. Per Folon era un’opportunità unica, anzitutto per rimuovere alcune parti della struttura dando libertà di circolazione agli uccelli, e poi per intervenire ponendo una sua scultura in relazione ad essi. Egli realizza infatti un grande albero in bronzo, collocato al centro del recinto nell’atto di protendere i suoi sette rami che si concludono con delle mani curve, a forma di “nido”, nell’atto di offrire cibo e acqua ai volatili. Sull’albero, dai toni scuri, sono poi stati posti dei frutti in oro luccicante che spiccano nell’ombra.

La Sonata a sette per aria e acqua di Piero Fogliati è un intervento poliedrico che ha trasformato e sfruttato una stanza al terzo piano della Villa di Celle con l’intento di creare una composizione musicale. Qui il pavimento è completamente rivestito da una pedana grigia, sotto la quale scorrono i cavi di collegamento che trasportano l’aria compressa, trasmessa da un robot-compressore ai sette “strumenti” in alpacca: dei tubi contenenti diversi livelli di acqua. Il gorgoglio dell’acqua in ogni strumento produce un suono unico che si intona agli altri, creando una composizione che simula primo e secondo violino, arpa, contrabbasso, violoncello, viola e flauto. Il tutto è scandito da un ritmo perfetto gestito dal comando elettrico sulla parete, che determina inizio, pause e fine.

Uno dei primi interventi realizzati per la Fattoria di Celle è quello di Luciano Fabro, invitato a lavorare in una delle stanze dei vecchi appartamenti nobiliari. L’artista ha scelto di intervenire partendo da una fascia di rame che corre lungo il perimetro superiore delle quattro pareti, tracciando una linea di confine tra la sua opera e il soffitto affrescato con motivi orientali. Al di sotto di questa fascia, Fabro colloca un pannello composto da strisce alternate di stagno e rame, sul quale poggia un’Italia rovesciata orizzontalmente, modellata con un tubo di rame. Sopra il pannello si trovano inoltre tre quadrati di ceramica bianca con cerchi neri dipinti, caratterizzati da tracce di rosso e verde, uno disposto sopra la penisola mentre gli altri due ai lati, forse evocazioni simboliche delle isole.

L’intervento dell’italiano Nicola De Maria è uno dei primi realizzati per la Fattoria di Celle nel 1982, quando il progetto era definito ma non aveva ancora preso forma. L’artista è stato invitato ad intervenire all’ultimo piano della Villa, in una stanza finestrata dalla quale si possono vedere sia il Parco che la Cappella o la Fattoria. De Maria lavora ad un ambiente all-over, trasformando la stanza in una volta stellata di un blu luminoso e intenso, che si irradia su tutte le pareti. Solo il pavimento rimane quello originale, mentre tutto il resto della stanza viene stravolto creando un clima mistico e suggestivo. Sopra questo blu, l’artista dipinge lune di vari colori e sfumature fluorescenti, incrementando la spiritualità del luogo facendo riferimento alle volte giottesche e ai viaggi spirituali di San Francesco d’Assisi, ma anche agli ambienti spaziali di Fontana.

Cinque maschere in marmo, realizzate in diversi colori e sfumature, sono disposte sulla facciata nord-ovest della Fattoria, componendo una sorta di collage scultoreo che dialoga armonicamente con gli elementi dell’edificio. L’artista Stephen Cox rielabora il tema delle decorazioni e degli ornamenti tipici delle abitazioni tradizionali, reinterpretati con una sensibilità vicina alle forme dell’arte orientale.

«A Celle una scultura è come una quercia, ha la stessa intensità, salvo che proponga questioni diverse proprio perché la scultura è un artificio». Queste sono le parole di Vittorio Corsini, artista e amico di Giuliano Gori, usate per descrivere il contatto unico tra arte e natura nel Parco d’arte durante la celebrazione dei quarant’anni dalla sua inaugurazione. Presso l’ultima stanza della Fattoria, Corsini realizza La somma del tutto, un’opera che racconta e racchiude questo concetto. Egli dispone a terra un cesto da fruttivendolo realizzato in acciaio. Il cesto è rovesciato e lascia uscire fuori tutti i suoi frutti, che in questo caso sono sassi di cristallo, su cui sono incisi i nomi di tutti gli artisti che hanno lavorato ad opere site-specific nel corso degli anni. In mezzo a questi cristalli, riflettenti e luminosi, spicca un cristallo blu, ovvero Giuliano Gori, il fulcro di tutto questo sistema.

L’artista dispone una meridiana sulla facciata sud della Fattoria. Essa è composta da una lastra in pietra bianca con incise le ore della giornata, dall’alba al tramonto, ed è contornata da una cornice dello stesso colore dell’edificio. La lancetta è in questo caso la coda di una lucertola in bronzo poggiata sul lato alto della lastra. L’artista gioca sfruttando l’immobilità realistica dell’animale, che spesso, per scaldarsi al sole, si blocca per lunghi periodi.

Nel fitto sottobosco del Parco di Collezione Gori si trova una forma zoomorfa di grandi dimensioni, forse una coda di una lucertola ingigantita e specchiata. Si tratta di una scultura che si pone a confine tra forme reali e immaginazione, un lavoro che si attiva perfettamente a contatto con la natura.
L’opera ha una struttura composta da anelli concentrici in ferro zincato spesso irregolari. Al suo interno trovano eco, amplificati, i suoni della natura.

Collocato nella piccola stanza al primo piano della Fattoria, l’intervento è pensato in dialogo con la luce artificiale che ne modella la percezione. Sulla parete sinistra una lastra d’acciaio, appoggiata con apparente precarietà, sembra piegarsi sotto il peso di due grandi lastre di cristallo. Queste, tuttavia, sono solo illusioni ottiche: i contorni trasparenti sono tracciati da cavi d’acciaio tesi a formare due rettangoli sospesi nello spazio. Il tenue colore verde dei cavi, insieme all’ombra dipinta sulla parete, amplifica l’effetto percettivo e trasforma la stanza in un delicato esercizio di equilibrio tra materia, luce e visione.

L’artista poliedrico, riconducibile al movimento Fluxus, giunge a Fattoria di Celle nel 1990 insieme all’assistente Tommaso Tozzi. Qui realizza un collage a mo’ di diario personale, attaccando al muro della Fattoria documenti, stampe, testi, locandine e poster originali, parte del suo percorso artistico. Il collage si configura come un’opera aperta, considerati i cambiamenti effettuati nel corso degli anni successivi. Di particolare interesse, oltre ad alcuni testi da lui scritti, la disposizione sulla parete destra di otto foto incorniciate che mostrano la performance Come suonare un muro degli anni Sessanta.

Piccoli elementi in acciaio cromato rivestono la corteccia di un albero secolare nel Parco di Fattoria di Celle, posto in una radura nel sottobosco vicino al lago. Il leccio, già rivestito da una solida corteccia e dal muschio, è adornato da una nuova armatura scintillante, che sembra avere vita.
I piccoli elementi hanno infatti forme morbide e sinuose, sembrano muoversi coralmente come componenti vitali della flora.

Per descrivere i suoi interventi presso Fattoria di Celle, Castellani usa il termine Enfiteusi, un termine di derivazione greco-romana usato per indicare il diritto di godimento e uso del terreno altrui, una possibilità sancita dal diritto romano ma ancora in vigore oggi. L’artista, o in questo caso l’enfiteuta, invitato a lavorare tra Fattoria e Parco di proprietà Gori, realizza due interventi indissolubilmente legati fra loro, due ragionamenti sullo spazio che sono uno replica ed evoluzione dell’altro.
Castellani parte ragionando su una stanza della Fattoria, Enfiteusi I. Qui incastra due specchi triangolari in due angoli opposti della camera, coprendoli poi con acciaio corten, utilizzato per coprire angoli, lati e parte del soffitto, permettendo ad una trave di uscire dal corridoio. In Enfiteusi II, l’artista replica lo stesso schema con uguali dimensioni ed elementi della camera, tuttavia all’aperto. L’idea è infatti quella di mettere in discussione la percezione degli oggetti privati del loro spazio di riferimento. All’esterno, infatti, si trovano le medesime strutture triangolari in acciaio corten, questa volta senza specchi ma coperti da lastre piegate in acciaio inox, sopra le quali vengono incise immagini del pavimento o delle travi del soffitto della camera.

L’artista turca studia una porzione di spazio aperto nella zona degli uliveti, realizzando poi un’installazione immersiva e potente, che gioca fra lo spazio reale e l’immaginazione. Büyüktaşçıyan inserisce dei pali curvi, in acciaio corten, nel terreno. Ne pone uno di fronte all’altro, formando idealmente un arco, e ripete l’atto per altre sei volte, trovandosi così a costruire una sorta di tunnel all’aperto con sette archi (quattordici pali). Camminando nel Parco, ci si confronta con un’installazione che richiama fortemente un reperto paleontologico, come se si trattasse di una carcassa animale gigantesca, entro la quale siamo invitati a camminare.

L’opera Grande ferro Celle è una scultura monumentale in acciaio verniciato, color rosso minio, che occupa una porzione di prato adiacente la strada principale, incuriosendo i passanti e anticipando il contenuto del Parco poco sopra. La struttura è costituita da due triangoli congruenti: uno appoggiato a terra, come base, l’altro di poco sopra come cappello. Le due forme geometriche sono collegate tra loro da quattro fasce curve (dodici totali) che fuoriescono da ciascun lato creando volume nonostante il vuoto interno.

Centro spirituale è il risultato di una ricerca condivisa nel 1995 da Frank Breidenbruch, all’epoca giovane artista, e da A. R. Penck, già noto scultore, visti da Giuliano Gori insieme in una mostra a Colonnata. Invitati dal collezionista, gli artisti svilupparono l’opera in uno spazio aperto, fuori dal confine del Parco di Gori. Lavorando in totale autonomia, gli artisti resero questo spazio – denominato poi Campo sperimentale uno – come un atelier d’artista, entro il quale realizzarono infine una scultura in marmo emergente dal terreno.
La prima fase di realizzazione ha portato alla creazione di un cono in marmo di Carrara dalla superficie ruvida con incisi segni, simboli e pittogrammi. Mentre in un secondo intervento, nel 1998, vennero aggiunte un’iscrizione indicante delle parole magiche “sator-arepo-tenet-opera-rotas”; e una piastra in acciaio riflettente.

L’integrazione tra intervento scultoreo e architettura del Parco, trova una peculiare simbiosi nell’opera di Massimo Biagi, che inserisce otto volti mostruosi tra le sbarre di recinzione del ponte sul lago. Le figure sono frutto di un intenso studio su carta, cartone dipinto e gesso. Una volta individuata la forma ideale del volto, l’artista ha prodotto otto versioni in ghisa che sono state poi incastonate tra le sbarre della ringhiera come dei guardiani.

L’opera, disposta all’ingresso del Parco tra Fattoria e Villa, si configura come una metafora dell’esistenza umana. Qui, all’ombra di un platano, tre figure maschili sorreggono una tavola rotonda sulla quale è inciso un disegno a rilievo. Si tratta di una cornucopia dalla cui abbondanza fuoriesce una città inghiottita da un pesce dalle sembianze mostruose. La condizione umana è imprevedibile e dominata dal destino. Gli uomini, infatti, che reggono il peso dell’esistenza, sono bendati, alimentando il senso di incertezza.

L’installazione di Alice Aycock è composta da cinque elementi scultorei in acciaio, cemento e marmo, e si dispone su un pendio verde del Parco della Fattoria di Celle. L’opera è composta da un astrolabio, un orizzonte, una rampa, una congegno di elettricità cosmica e una pietra filosofale, tutti simboli delle scienze antiche e contemporanee, legate alle figure di illustri toscani come Galileo Galilei e Leonardo Da Vinci. Le opere occupano il pendio del Parco, ma non invadono la natura; al contrario, esse contribuiscono alla sua corretta lettura, sono leggere e trasparenti, in armonia con il paesaggio.

Situato al primo piano della Cascina Terrarossa, l’intervento di Stefano Arienti occupa tre stanze e rappresenta una sorta di sintesi dei periodi trascorsi in residenza presso Fattoria di Celle, nel 1986 e nel 2016. Qui si trovano lavori eterogenei: rielaborazioni di fotografie scattate nel Parco, disegni o poster modificati. Particolarmente significative sono la fotografia del lago di Celle, sulla cui superficie sono incollati e pitturati pezzi di puzzle, e gli accumuli di plastilina su poster fotografici di opere celebri di Van Gogh e Monet, a replicare le pennellate con un accento ironico. 

Trentatré figure in bronzo sono disposte allineate come un esercito in riga in una porzione di terra al confine del Parco, recintata da filo spinato. Tra di loro le figure si assomigliano, da dietro sono tutte omogenee mentre da davanti si tratta di sei modelli privi di testa e braccia, ripetuti serialmente. Per l’artista polacca Magdalena Abakanowicz si tratta del primo lavoro in bronzo che, grazie alla ripresa di forme e modelli della statuaria egizia o di figure totemico-rituali, incide fortemente sulla psicologia dello spettatore.

Salendo la rampa di scale che porta alla Fattoria, dalla finestra del ballatoio si intravedono due figure difficili da distinguere. Avvicinandosi all’ingresso della stanza, la porta chiusa obbliga lo spettatore ad osservare in modo voyeuristico dallo spioncino. All’interno emergono due torsi scavati e amputati, realizzati in canapa indiana e posti su degli sgabelli. La scena, intensa e perturbante, offre uno sguardo drammatico ed esistenziale sulla condizione umana.