Fattoria La Loggia

Questa scultura è la prima della serie Benches, a cui Betty Woodman lavora tra fine anni Novanta e primi anni Duemila. Si tratta di una fusione in bronzo elaborata presso la Fonderia Artistica Belfiore di Pietrasanta, che traduce l’interesse dell’artista per l’oggetto quotidiano elevato a opera d’arte. In questa scultura, funzione e forma si fondono, trasformando l’arredo in un luogo d’incontro tra estetica e uso. La prima panchina in bronzo è stata realizzata alla Fattoria. 

La pratica del duo Winter/Hoerbelt, si configura come un’esplorazione della quotidianità, dei suoi gesti e oggetti, analizzati nella loro essenza, nella loro forma e nel rapporto con lo spazio. In Mensa, il duo ragiona sulla tavola come elemento di convivialità e rituale. I due intagliano il legno attorno a piatti, bicchieri e posate – dopo una serata di conversazione intensa – cercando di tracciare la presenza umana. Intagliare richiama il latino sculpere, ovvero trasformare rimuovendo tutto ciò che non è essenziale. In questo senso, l’emergere della nuova scultura diventa protagonista: dalla rimozione e dal vuoto nasce l’opera d’arte come relazione tra quotidianità, memoria e poesia.

Stilling riflette sulla figura shakespeariana dell’Ofelia, esplorando l’intreccio fra bellezza e tragedia, attraverso la transitorietà e la fragilità. L’artista realizza un volto umano in bronzo – una sorta di maschera scura –  evidenziandone le spaccature e i tagli, ripresi dal bozzetto in argilla  dopo la cottura. La figura dell’Ofelia, ribattezzata Ophelia Crepata, diventa per Stilling l’esempio massimo di tensione e complessità emotiva: da un lato la fragilità e autenticità umana, dall’altro la bellezza senza tempo di stampo mitologico. 

Il Nido si configura come simbolo universale di protezione e accoglienza, metafora del rifugio materno e dello spazio di riparo e sicurezza nei momenti di fragilità e pericolo. L’artista modella ferro e pietre per dare vita ad un cesto scultoreo concepito per integrarsi armoniosamente con l’ambiente circostante. L’opera non è solo una presenza materiale, ma un luogo da abitare emotivamente: uno spazio di quiete e riparo che invita chi lo attraversa a ristabilire un legame intimo con la natura e con sé stesso.

Stähler gioca con la natura del luogo, intervenendo su di essa creando degli accoppiamenti curiosi e unici, come Shower, un tronco ricoperto interamente di edera da cui emergono dei bracci metallici antropomorfi, che sembrano animare l’albero. La “creatura” è caratterizzata da tubi flessibili metallici che culminano in pietre colorate, blu e verde, e un doccino centrale che richiama il volto. L’albero sembra acquisire motricità, forza ed energia vitale umana, dando un volto nuovo al paesaggio naturalistico circostante.

Jar / L’incompiuto è una scultura precaria e fragile, costituita da un tubo sottile in acciaio che richiama la figura dell’orcio, già individuata nell’opera Offerta agli Dei (2000). La giara è in questo caso incompiuta. Essa è costituita solo da un disegno, un abbozzo della sua struttura e non presenta quindi le caratteristiche essenziali per la sua funzione: contenere. L’artista non  infatti qui interessato alla perfezione della forma, bensì al non-finito, all’astrazione dell’oggetto in un messaggio di incompiutezza.

L’opera Halberds sfrutta l’immagine archetipica dell’alabarda, arma costituita da un’asta culminante in una lama, per creare una scultura atemporale che stimoli l’osservatore. L’alabarda, ricostruita da un’asta metallica lunga, è tuttavia innocua in quanto “mutilata”, ovvero culminante in una forma ovoidale grezza di terracotta, pietra e cemento. La scultura capovolge il rapporto tra osservatore ed opera, divenendo essa stessa osservatrice, una sentinella silenziosa che testimonia la sua presenza e quella dell’uomo tra passato, presente e futuro.

Glasses / Abbraccio,  è una scultura emblematica per comprendere la pratica artistica di Franz Stähler in quanto emerge con evidenza la capacità dell’artista di trasformare la materia, di dare un nuova vita tramite l’assemblaggio e il ricollocamento. Il titolo evoca l’immagine di un grande paio di occhiali appesi a parete, con lenti cromatiche, una rossa e una blu, ma al contempo richiama l’idea di un abbraccio, quindi un incontro tra forme. Per Stähler tuttavia, non è tanto importante il significato simbolico, ma la percezione immediata dello spettatore, quella forza immaginativa che si genera nell’incontro tra arte e uomo.

Dodici giganteschi orci, si sollevano verso il cielo su strutture esili ma robuste collocate su un grande prato che domina la Val di Pesa. Si tratta dell’opera Offerta agli Dei, un’installazione monumentale, visibile anche dalla strada, che ha forti rimandi alle tradizioni religiose etrusco-romane, nonché alla storia e alla tradizione olivicola e vitivinicola della Toscana rurale. Il gesto dell’offerta agli dei è qui accentuato dalla tensione strutturale dell’installazione. Tuttavia, non si tratta di una semplice offerta religiosa, bensì di una fusione tra terra e cielo, un incontro di elevazione rituale che simboleggia il luogo e la sua comunità  nei secoli. L’opera mantiene un chiaro connotato spirituale, tuttavia gli orci si configurano come i contenitori del prodotto della terra e dell’uomo, nonché la bevanda che conduce al cielo.

Franz Stähler adorna il paesaggio della Val di Pesa trasformando un oggetto comune, la doccia, in una presenza artistica monumentale, ingigantita e perfettamente integrata nel giardino del Centro d’Arte La Loggia. La struttura in acciaio, esile e leggera, si slancia verso l’alto, dialogando con pietre e cipressi circostanti, divenendo componente inusuale della realtà.

Daniel Spoerri, artista rumeno noto per la sua partecipazione al gruppo dei Nouveau Réaliste, riflette sul tema della distruzione e sulle barbarie umane in La Guerra, una struttura in bronzo posta silente nel giardino del Centro d’Arte La Loggia. L’opera è realizzata con elementi metallici e materiali di recupero, e si configura come una sorta di croce sormontata da un fiore: un ossimoro poetico che medita sulla violenza e sulla forza umana di rispondere con delicatezza, di saper creare dalle proprie rovine. 

Una scultura, non un cavallo / Horses (1994) di Aligi Sassu, si inserisce nel filone di ricerca dell’artista attorno alla figura del cavallo, simbolo primordiale di energia, libertà e mito. Il soggetto equino, è qui colto nell’attimo dell’impennata, e si impone come pura tensione formale, più che come rappresentazione naturalistica. La superficie ruvida e vibrante del bronzo restituisce la vitalità del gesto e, al contempo, conferisce alla figura un’aura arcaica ma poetica. Il titolo stesso, Una scultura, non un cavallo, chiarisce l’intento di Sassu: non raffigurare l’animale nella sua realtà fisica, ma trasformarlo in un archetipo del movimento, in un emblema della scultura come materia che si fa impulso vitale. Il basamento, concepito come parte integrante dell’opera, amplifica questa energia ascensionale, rendendo la figura un segno di potenza sospeso tra equilibrio e slancio.

Noto per le sue sculture monumentali in legno, bronzo, cemento e ceramica, Rennertz lavora in questo caso ad una piccola civetta che si mimetizza perfettamente nello spazio naturalistico del Centro d’Arte La Loggia. La scultura è ricavata da un tronco tagliato, su cui l’artista disegna una civetta con segni e forme stilizzate sulla superficie frontale. La Civetta di Athena risulta semplice ma poetica, essa vuole racchiudere il valore della natura, quindi essere un esempio di tutela dell’ambiente e di unità.

Come anticipa il titolo Safety Heart Armour, l’opera si presenta come un grande cuore anatomico in bronzo, interamente rivestito da un’armatura tagliente costituita da lamine e ingranaggi, che esaltano la tensione tra vulnerabilità e difesa. Questo cuore, simbolo vitale della terra, si protegge dalle minacce dell’uomo, trasformando la paura in protezione. L’artista invita alla riflessione sul rapporto tra umanità e natura, invitando lo spettatore a ristabilire un contatto con la terra in un atto di cura.

Amante della leggerezza dinamica, della meccanica e del volo, Alessandro Reggioli omaggia Leonardo Da Vinci con una struttura metallica orizzontale, caratterizzata da forme slanciate che suggeriscono l’imminente decollo verso il cielo. L’installazione si integra perfettamente con il paesaggio circostante e assume una posizione strategica per la visione panoramica, un invito all’osservatore che può sedersi e partecipare la scultura insieme al paesaggio. 

Raffael Lomas lavora con oggetti meccanici e materiali di recupero, fondendoli in assemblage che riflettono su temi come la dinamicità, il movimento e il ciclo del tempo. Per  Tour de France, opera parte di una lunga serie di lavori dell’artista, Lomas gioca sfruttando il nome del tour ciclistico più importante al mondo incastonando una ruota di bicicletta, o per meglio dire i suoi raggi, in una struttura metallica che sembra ricreare il moto della sezione aurea, presente in matematica e in natura. In questo modo l’artista trasforma la forza motrice del biciclo in una forza interiore, un viaggio che connette l’uomo alla terra.

L’artista assembla e trasforma materiali poveri generando una figura carica di simbologia e riferimenti totemici. Attraverso l’uso di  ferro, rete metallica, legno e oggetti riutilizzati, Anna Girolomini genera una costruzione verticale che evoca la figura di un guerriero arcaico, un guerriero primitivo ed enigmatico.

Nell’aria col vento di Anna Girolomini è un canneto artificiale che reagisce al soffio del vento e alle variazioni di luce e clima, trasformandosi in un organismo plastico in costante mutamento. Attraverso questo lavoro, Girolomini approfondisce la propria ricerca sul rapporto tra arte, natura e movimento, esplorando la possibilità di un linguaggio scultoreo che si definisce non nella forma statica, ma nel dialogo con l’ambiente. L’opera diventa così un dispositivo percettivo che invita lo spettatore a riconoscere la dimensione temporale e sensibile dello spazio. 

Iron and Fire si configura come un tripudio della materia e della sua trasformazione. La scultura è costituita da una colonna quadrangolare vuota, costituita da una superficie, in corten, segnata da alcune lacerazioni, come se fosse appena stata bruciata. Paolo Fusi evoca la forza primordiale degli elementi e connota la colonna di significati spirituali. Si tratta sostanzialmente di un totem aperto che crea interazione fra la terra  e il cielo.

Sei sagome stilizzate, realizzate in lega metallica, sono disposte nel giardino interno del Centro d’Arte La Loggia, leggermente inclinate verso il cielo, incuriosite dai suoi misteri, come fossero in attesa di qualcosa o qualcuno. Paolo Fusi riflette sulle condizione dell’uomo nel mondo e nella storia, da sempre in balia dei confini e dei limiti, ma anche alla ricerca di qualcosa oltre. Le figure creano infatti un dialogo con gli astri, personificando il dialogo millenario tra universo e uomo, religione e comunità.

In Farfalle al vento, Paolo Fusi traduce in scultura il dialogo tra forza e leggerezza. L’acciaio, materiale resistente e compatto, si piega a una forma sinuosa e dinamica, dando vita a un’immagine di equilibrio tra energia e grazia. L’opera si offre come metafora di libertà: un’anima che si solleva nello spazio, sospesa in un movimento senza peso, fragile e insieme indomita.

Jean Daviot trasforma un pozzo tradizionale in una dispositivo di riflessione di luci naturali, del sole e, in particolare, della luna. La Lune au fond du puit, letteralmente La Luna in fondo al pozzo, vuole infatti creare un’esperienza visiva suggestiva, in cui l’acqua del pozzo si carica di valore simbolico e forza energetica, ma anche di poesia e stravolgimento visivo. L’energia lunare viene rimbalzata, dal cielo al fondo del pozzo verso l’esterno e l’uomo, creando uno scenario unico.

Partendo dalle parole di Martin Heidegger, secondo il quale l’essenza del vaso non è l’argilla ma il vuoto che esso modella e che raccoglie il mondo, Jean Daviot realizza Mouth of the World un’installazione scultorea e sonora costituita da giare “parlanti” e riflettenti echi e rumori primordiali. Il grande vaso in terracotta è un dispositivo da riempire e vivere, è uno spazio vuoto, costituito da cuscini che invita il visitatore a ritirarsi cullato come in un grembo materno. Si tratta di una riflessione poetica sull’esistenza: vivere significa svuotare e riempire, passare da uno spazio all’altro e proiettarsi oltre il tempo.

L’opera Cupì degli Uccelli di Rimer Cardillo, è un’installazione monumentale in cui materia e simbolismo si fondono nel rapporto tra natura e spiritualità.
Si tratta di un grande tumulo di terra, sormontato da oltre cinquecento figure di animali realizzati in terracotta e raffiguranti armadilli, lucertole, pesci e, soprattutto, uccelli.  L’uso della terra e della terracotta indica la volontà di connessione con elementi e materiali arcaici, simbolici ed energetici, che rimandano ad un continuo scambio tra uomo, fauna e flora, co-abitanti il globo.  L’opera si manifesta come un omaggio alle credenze spirituali della cultura d’origine dell’artista, Si crede infatti che il creato sia sorvegliato dalla divinità mesoamericana della fertilità e della rinascita, Tlazolteotl, tutte universalmente connesse fra loro. Presentata alla Biennale di Venezia del 2001 e successivamente acquisita dal Centro d’Arte La Loggia, l’installazione è in fase di restauro presso il Centro d’Arte La Loggia, in un progetto che coinvolge l’artista e varie istituzioni internazionali.

La Pergola di Bacco è una scultura in bronzo attraverso la quale Barni rielabora il tema del dio del vino come celebrazione del piacere, della convivialità e del ritmo vitale che scandisce l’esistenza. L’opera è caratterizzata da tratti semplici e abbozzati delle figure di Bacco e Arianna, accolte nella grande pergola posta come una cesta. Il dio antico assume i tratti giovanili e spensierati del contemporaneo, restituendo al racconto classico un senso di sorprendente attualità. In questo dialogo tra passato e presente, Barni rinnova la forza simbolica del mito, trasformandolo in un linguaggio capace di parlare ancora all’esperienza umana del nostro tempo.

In Apollon et Daphné, Arman reinterpreta il mito della metamorfosi ispirandosi alla scultura berniniana, sovvertendo l’unità attraverso la frammentazione della materia. Le figure in bronzo, scomposte in sottili lastre, evocano un processo di trasformazione sospeso, in cui la solidità si apre al movimento e alla precarietà dell’identità.

L’inserimento di strumenti musicali dismessi — violini, arpe, corde — introduce il tema del tempo e della memoria, trasformando la scultura in una riflessione sulla relazione tra suono e materia. In quest’opera, la perfezione del mito classico si misura con la frammentazione del presente, restituendo un’immagine della memoria come forma viva, attraversata da continue metamorfosi.

Appel continua la sua ricerca sulle forme e sulle energie primordiali, trovando negli animali – in questo caso nel ragno – la massima espressione. Da un basamento materico, costituito da un groviglio di rami in legno e bronzo, emerge una figura informe, di cui si distinguono le zampe e un corpo centrale. Si tratta di una figura in equilibrio precario, che sembra emergere dal terreno, rivelando l’essenza imprevedibile e dinamica dei movimenti sciolti e irregolari.

Cat on the Roof di Karel Appel unisce la forza espressiva del bronzo alla semplicità del legno, creando una scultura di intensa vitalità materica. Il gatto, modellato con gesto istintivo e parzialmente dipinto di bianco, è abbozzato e incompleto, tuttavia esprime l’essenza gestuale dei movimenti. La figura poggia su una tavola di legno grezzo e curvo, che richiama il tetto, sorretta da un intreccio di gambe in bronzo. Questo equilibrio precario conferisce all’opera una tensione dinamica, dove materia e forma dialogano in una sintesi potente tra astrazione e impulso vitale.

Le Muse di Karel Appel si configura come una grande scenografia teatrale, un’installazione di grande complessità che domina il paesaggio toscano dal giardino del Centro d’Arte La Loggia. Appel disegna sul prato un rettangolo, evocando uno spazio sacrale e rituale. Ai quattro angoli estremi l’artista colloca quattro cubi su cui poggiano quattro colonne tagliate, di cui si scorgono i capitelli ionici. Si tratta di quattro basamenti su cui Appel pone quattro sculture classicheggianti in ceramica bianca, caratterizzate da linee blu che marcano i contorni di alcune parti del corpo o delle vesti, con forme floreali, animali o astratte. All’interno, quattro elementi costituiscono un rettangolo più piccolo: si tratta di quattro bracieri realizzati anch’essi in ceramica bianca con linee blu, innalzati da piedistalli esili in bronzo. All’interno di questo secondo rettangolo si trovano due tavole bianche, ciascuna avente come gambe sei semicolonne doriche tagliate a metà. Accanto alle due tavole, in linea con lo spazio vuoto tra le due tavole, si trovano altri due bracieri, sempre in ceramica bianca su piedistalli in bronzo, questa volta della stessa altezza delle tavole. L’installazione è site-specific, si integra perfettamente con l’ambiente e con il paesaggio, configurandosi come una scenografia rituale che celebra l’incontro tra arte e natura. 

Per la realizzazione di Flying Bird, l’artista si affida all’istinto: la mano dirige e costruisce mentre l’occhio segue. Appel parte dalla modellazione del gesso per poi intervenire con il bronzo, lasciando trasparire la potenza espressiva del gesto. La scultura si configura infatti come ruvida, grezza e non definita, generando un senso di incompiutezza delle forma, generando però una grande energia cinetica. Appel non vuole infatti riprodurre l’animale, ma coglierne l’essenza, ovvero il volo e la dinamicità. Un’immagine potente e primitiva dell’uccello simbolo della libertà e del dinamismo che furono centrali per l’artista e il movimento CoBrA. 

Attraverso l’assemblaggio di elementi in bronzo l’artista costruisce delle margherite giganti, caratterizzate da una superficie ruvida e da forme rigide ma profondamente irregolari. Esse sono disposte su un piedistallo circolare, anch’esso in bronzo, che serve a scindere il paesaggio naturalistico da quello immaginifico. La rigidità dei corpi esprime al contempo costrizione e vitalità: tre margherite sono disposte a terra, come se fossero cadute su loro stesse esauste, mentre una quarta si innalza, lasciando trasparire un barlume di speranza e gioia.

Burned Forest di Karel Appel è un’installazione composta da tredici aste in bronzo che dal terreno si alzano verticalmente, per circa tre metri di altezza, costituite da raggi laterali che richiamano gli alberi spogli. Questi pali, originariamente concepiti in legno, sono disposti echeggiando la disposizione degli alberti nella foresta accanto, una scelta evocativa e simbolica, che evidenzia la ricerca di unità tra natura e artificio. Sui rami in bronzo, sono appese degli oggetti bianchi, originariamente in gesso poi in bronzo dipinto. Uno richiama la forma d’una testa, l’altro di una pala e altri due invece sembrano riferirsi alle forme degli uccelli. L’artista gioca sulla confusione tra forme ed elementi, creando uno scenario ambiguo che oscilla tra la realtà e la finzione. Appel ci trasporta nel suo universo sfruttando l’ucello, figura spesso presente nelle opere dell’artista sin dai tempi del gruppo CoBrA.