L’Arco Casalino di Mauro Staccioli si configura come una soglia visiva e simbolica che accoglie il visitatore nel giardino della cantina Ottella. L’opera, caratterizzata da una geometria essenziale che richiama le forme di un arcobaleno, introduce un percorso iniziatico tra terra e cielo, ribadendo simbolicamente la connessione con il territorio e trasformando lo spazio in un luogo rituale di accoglienza e passaggio.

Una tela circolare rovesciata si impone allo sguardo, esponendo il telaio come protagonista. Su di esso il verbo “morire” è ripetuto tre volte lungo i rispettivi assi radiali: Morire / Mourir / To Die. È solo la lettera “o”, inscritta al centro della crociera, a tenere insieme le tre parole, fungendo da perno simbolico di quella che appare come una “ruota”. Paolini propone un’analisi metartistica elevando a opera d’arte i segmenti strutturali della stessa: l’impalcatura, solitamente subordinata al contenuto, trionfa, imponendo l’assenza e l’enigma.

La frase “lasciarsi andare per” è inscritta e si ripete per due volte in un cerchio continuo, come un pensiero in loop che non trova conclusione. Il moto circolare delle parole alimenta questa ritmica che invita all’azione, evocando l’abbandono di sé come passaggio necessario all’apertura, alla trasformazione, o forse semplicemente all’inizio di qualcosa.

Quest’opera al neon inscrive la parola “dimmi” al centro di un incrocio di linee, lasciando riecheggiare nella mente dello spettatore questo invito al dialogo. Nonostante la sua semplicità e il suo uso quotidiano, il termine disarma e spiazza: l’installazione non parla, ma ascolta, invita all’apertura personale e al confronto, sollecitando la necessità di esprimersi.

Firmatario del Manifesto Spazialista del 1950, Roberto Crippa –  attraverso segni lineari e geometrici come le spirali – si muove alla conquista energica e vitale, tanto fisica quanto ideale, della realtà che lo circonda, e dunque dello spazio pittorico. Al di là di ogni forma di figurativismo, lo spazio rappresenta per l’artista una dimensione ideale astratta, influenzata tanto dalle scoperte scientifiche quanto dagli avvenimenti storici dell’epoca. Così, in quest’opera del 1951, Crippa  esprime grande forza attraverso la traccia di infinite orbite spiraliformi in olio nero, un gesto-segno che si impone e prende possesso dello spazio pittorico.

Il termine Transiens è legato al mondo della tecnoscienza e sia in inglese (transient), che in latino (transiens) indica il fenomeno fisico di continua mutazione e alterazione di stato della materia. In una visione panteistica, l’artista invita alla riflessione sul continuo divenire realizzando una sorta di nuvola di fumo, interamente costruita con rete di alluminio contenente un dispositivo luminoso  a LED/RGB, che cambia continuamente colorazione. L’opera è collocata tra i fusti in acciaio sospesa in aria, sopra le teste di osservatori e lavoratori. La sua presenza è chiaramente un ingombro, sia fisico che mentale, portatrice di sensazioni inquietanti.

Come descrive il titolo, si tratta di un trittico composto con polvere d’oro e tecniche miste su tela, realizzato durante una performance dell’artista svoltasi all’interno della cantina e accompagnata dai suoni del musicista Luca Formentini, in sintonia con i colori. Le tre tele non mostrano nessuna figura,  oggetto o elementi riconoscibili, tuttavia la loro matericità trasporta l’osservatore in un paesaggio sospeso, indecifrabile e costituito da chiazze informi, fumose o liquide, che si fondono tra loro. Il gioco tra luci,  riflessi e ombre è perfettamente reso dalla stesura di pigmenti e polveri che contribuiscono a confondere la percezione.

Questa installazione fotografica nasce da una performance eseguita dall’artista nel 2012, durante la quale tredici persone – tra familiari e amici – furono riunite per reinterpretare l’Ultima Cena di Leonardo Da Vinci. La prima versione, esposta nel Duomo di Innsbruck durante la Quaresima, ha suscitato reazioni contrastanti. Pur richiamando la composizione e le movenze originali, la rilettura contemporanea dell’avvenimento è infatti volutamente erronea a livello narrativo, ma fortemente evocativa a livello simbolico. La cena si svolge infatti su un lago ghiacciato, in uno scenario boschivo cupo. Cristo, qui rappresentato come una figura anziana, siede al centro di una tavola in fiamme, mentre in primo piano si scorgono alcune anfore di invecchiamento del vino, inserite nell’ultima versione per creare un dialogo diretto con quelle reali della cantina ospitante.

Una nube di fumo bianca emerge sinuosa ed enigmatica su fondo nero. È un attimo sospeso, simile a quello che si crea tra una parola e l’altra quando si fuma una sigaretta. Qui il fumo non ha una origine riconoscibile: è osservato in quanto elemento simbolico legato alla storia dell’umanità, sin dalla scoperta del fuoco. Si tratta di una nube sospesa nel tempo, che può essere frutto di rituali religiosi, segno di devastazioni o gesti di rottura, rivoluzione e distruzione. O, più semplicemente, manifestazione sociale ed estetica dell’uomo.

All’interno della barricaia, Golden Drop di Julia Bornefeld è un’installazione luminosa sospesa che trasforma simbolicamente lo spazio in un palcoscenico dedicato al vino. Composta da catene dorate disposte in un fluido movimento curvilineo, l’opera unisce teatralità e funzione: al centro, gocce d’acqua cadono con ritmo regolare, evocando la caducità del tempo e garantendo al contempo l’umidità necessaria per l’affinamento del vino nelle botti di rovere

L’artista tedesca sfrutta la cornice come elemento di dialogo con il  paesaggio vitivinicolo del Lugana, inquadrandolo e aprendo una visione sulla storia dello stesso. La cornice, interamente dorata, è quindi al contempo opera e supporto, elemento relazionale del rapporto tra realtà e rappresentazione pittorica.

L’artista definisce il suo modus operandi come un atto di metarazionalità, dove il prefisso meta indica un andare oltre. Come nella sua ricerca artistica complessiva, anche in questa scultura tutto ruota attorno al dialogo tra razionalità – geometrica e ordinata – e la sua rottura dinamica: una scomposizione cinetica, lirica e lineare, che attraversa sia la pittura che la scultura. Questa sfera in acciaio – esposta alla 54° Biennale di Venezia (2011) – è colta nell’atto di disgregazione geometrica: nella parte superiore un solco – forse provocato da due frecce triangolari verde e rossa – incide la superficie liscia, scomponendola in forme rettangolari irregolari.