Parco d’Arte Fondazione Sandretto Re Rebaudengo

Nell’antico serbatoio per l’accumulo dell’acqua, Sol Calero ha realizzato La Cantina de Guarene, un grande mosaico murale tridimensionale ispirato all’immaginario e alle forme architettoniche della tradizione dei Caraibi. Attraverso un intervento ambientale che fonde pittura e architettura, lo spazio, da infrastruttura funzionale, diventa luogo di sosta e socialità, offrendo ai visitatori una dimensione comunitaria e contemplativa. L’installazione nasce dalla combinazione di materiali e mezzi espressivi – arredamento, tessuti, mosaico, video, pittura murale – ed esplora il contrasto tra la percezione dell’esotico e l’idea illusoria dei Caraibi come luogo paradisiaco. 

Cypress Reds e Cypress Violets di Mark Handforth sono due grandi panchine scultoree ricavate da un antico cipresso cresciuto sulla collina di San Licerio. Le tavole in legno, in parte naturali e in parte smaltate, mettono in tensione il rigore della forma modernista con l’espressività organica del materiale. Le opere, completate dalla presenza di chi si siede, sono un omaggio alla bellezza dell’albero e al paesaggio che lo ha ospitato.

Une machine à jouer è una struttura accessibile installata sul pendio della collina di San Licerio, composta da griglie ondulate, tubi attrezzati e un’altalena che, insieme, delineano un ambiente ludico definito dagli autori come playscape: uno spazio di gioco, scoperta e avventura. Ispirata al concetto della machine à habiter di Le Corbusier, l’installazione del collettivo Parasite 2.0 si configura come una “macchina per giocare”, progettata per offrire a bambine e bambini la possibilità di esplorare liberamente le proprie capacità fisiche e immaginative, attraverso attività individuali e collettive.

Chameleon Through The Looking-Glass è una grande sagoma policroma che raffigura un ibrido tra elementi tecnologici, biologici, reali e virtuali. L’opera appartiene al ciclo Approximation, avviato da Katja Novitskova nel 2010 come risposta critica alla cultura visiva digitale fruita attraverso smartphone e tablet. Utilizzando fotografie reperite online e processi algoritmici complessi, l’artista genera immagini ibride, ispirate al mondo animale e finalizzate a suscitare una riflessione empatica sul rapporto tra umanità e natura.

In ognuno la traccia di ognuno è una scultura luminosa di Marinella Senatore ispirata alle luminarie festive del Sud Italia e agli elementi decorativi dell’architettura barocca. La scelta della frase che intitola l’opera, tratta da una poesia di Primo Levi, è il risultato di una pratica collaborativa che ha coinvolto la comunità di Guarene, valorizzando la memoria condivisa e il legame tra individuo e collettività. L’incontro tra la dimensione partecipativa e le forme della tradizione popolare dà vita ad un’installazione in cui la luce diviene elemento architettonico, capace di generare spazi di condivisione.

Trashstone 036 è una scultura biomorfica, realizzata a partire da materiali di scarto, successivamente rivestiti con strati di resina e fibra di vetro, poi levigati per rivelare sfumature cromatiche che richiamano tonalità minerali. L’opera, datata 1991, appartiene alla serie omonima di Wilhelm Mundt attraverso la quale l’artista ha avviato una ricerca sui temi del recupero e del riuso, anticipando nell’ambito artistico la riflessione sui principi, oggi centrali, di sostenibilità e di economia circolare.

Flat Earth Visa è un’installazione site-specific di Paul Kneale composta da tre antenne paraboliche e una serie di recinzioni in acciaio, queste ultime nate dalla traduzione di fotografie in oggetti scultorei attraverso processi digitali e industriali. L’opera, illuminata di rosso nelle ore notturne, riflette sulle contraddizioni tra la rete globale della comunicazione digitale e la realtà frammentata dei confini fisici e delle barriere territoriali. 

Cherepaha è una scultura-gioco praticabile realizzata da Sanya Kantarovsky in occasione della mostra Letdown svolta presso Fondazione Sandretto Re Rebaudengo nel 2017. Ispirata ai cherepashki, le tartarughe metalliche presenti nei parchi gioco dell’ex Unione Sovietica, simboli ricorrenti nell’infanzia dell’artista, l’opera riacquista la sua funzione di oggetto ludico attivato nuovamente nel contesto del parco.

Rise è una scultura di Marguerite Humeau collocata sulla sommità della collina di San Licerio. A partire da un nucleo centrale, si dirama un articolato intreccio di forme ispirate ai fiori microscopici maschili e femminili della vite, richiamando le ricerche scientifiche sulla determinazione sessuale di questa pianta. L’opera si configura come un simbolico albero della vita, in cui le strutture organiche evocano al tempo stesso reti sinaptiche, suggerendo un legame profondo tra i processi naturali di nascita e crescita.

Vehicle (Amphibian) è un veicolo immaginario alimentato dalla fantasia, le cui forme richiamano una ruota di mulino dotata di vele capaci di catturare il vento. Al centro della struttura, un seggiolino suggerisce la presenza di un pilota, invitando l’osservatore a immedesimarsi nel gesto del guidare e a evocare l’esperienza sensoriale del viaggio. Con questa scultura, Carsten Höller adotta un approccio ludico e visionario, ponendo lo spettatore in una dimensione contemplativa sospesa tra realtà e finzione.

Affioramenti è un intervento architettonico e pittorico concepito da Manuele Cerutti per l’edicola votiva della collina di San Licerio. L’artista ha aperto una botola nel pavimento, stabilendo un legame simbolico con la terra, e ha collocato nella nicchia un dipinto su rame che raffigura sei figure maschili in pose precarie e instabili. L’opera intreccia riferimenti alla tradizione iconografica con riflessioni sull’esistenza dell’individuo contemporaneo, collocando le figure in uno spazio privo di coordinate temporali e spaziali definite.

Monowe (The Terminal Outpost) di Ludovica Carbotta è una torre di guardia rovesciata, alta quasi nove metri, che rappresenta l’estremo confine della città immaginaria di Monowe, progettata per accogliere un unico abitante. L’opera riflette sul rapporto tra spazio urbano, isolamento e identità, inserendosi nel reale con un’estetica “fictional site-specific”. Dopo l’esposizione per la Biennale di Venezia del 2019, l’installazione trova nel parco d’arte la sua nuova collocazione, dove si inserisce in equilibrio tra dimensione reale e immaginata del paesaggio.

Paesaggi corporali di Binta Diaw è una fotografia nella quale l’immagine del corpo dell’artista diventa paesaggio in dialogo con il profilo della collina di San Licerio. Sull’immagine è tracciato, in gesso colorato, un disegno che raffigura le radici di un albero, simbolo di discendenza, appartenenza e memoria. L’opera si inserisce nella ricerca dell’artista orientata a far emergere le narrazioni taciute della diaspora africana e a interrogare le dinamiche identitarie ad essa connesse.

Passaggio d’acqua è un’installazione di Stefano Boeri composta da un arco in acciaio che richiama la forma familiare di una doccia. Ad attraversarlo non è l’acqua, ma impulsi luminosi e le parole dei migranti curdi giunti in Italia attraversando l’Adriatico. L’opera mette in relazione un oggetto quotidiano con una narrazione drammatica, evidenziando il contrasto tra l’accesso a risorse date per scontate e la condizione di precarietà vissuta dai migranti.

Foam di Tauba Auerbach è un mosaico in pasta di vetro composto da quasi 100.000 tessere che raffigura la trama complessa di un frammento di schiuma, con le sue bolle, intersezioni e movimenti vorticosi. L’artista ha tradotto l’immagine realizzata al microscopio in un dipinto, poi convertito in file digitale come schema per realizzare il mosaico. Collocata sul belvedere del parco d’arte, l’opera mette in relazione la vastità del paesaggio con l’infinitamente piccolo, in un continuo gioco tra nitidezza e dissoluzione.

Altalena (al vento) di Francesco Arena, sospesa tra i pioppi della collina, è una scultura in bronzo che oscilla mossa dal vento, inaccessibile ma attivabile con lo sguardo e l’immaginazione. Sotto il sedile, un’iscrizione rielaborata dall’artista a partire da una citazione di Tolstoj riflette sul tempo, sulle direzioni inaspettate della vita e sulla ciclicità dei giorni. L’opera trasforma un oggetto ludico, legato ai ricordi di infanzia, in una meditazione poetica sul divenire e sulla memoria.

Colonna per uno stilita di Stefano Arienti è un’installazione site-specific che rielabora un’opera del 1996 realizzata per i Murazzi di Torino. La scultura, ispirata al film Simón del desierto di Luis Buñuel, è una colonna in metallo e vetroresina che affiora dal terreno del parco d’arte come un frammento archeologico. Richiamando ironicamente l’idea di un servizio disponibile al pubblico, l’opera invita lo spettatore a interagire con essa nello spazio del parco.